This article investigates the interrelations between migration of meanings, transmediation, self-citation and musical ekphrasis as applied to contemporary musical creation. Through the analytical study of two hybrid electroacoustic works—The Eerie Stillness of Desolation for piano and tape and Ghost Words for double bass and tape—composed during an artistic residency with Da_Sh Ensemble, Madrid, the paper examines how acoustic writing and electroacoustic materials jointly construct the architectural, semantic, and affective dimensions of each work. Central to this investigation are processes of self-citation, recycling, and transformation of pre-existing materials, alongside newly created sonic elements conceived specifically for each composition. Drawing upon theoretical frameworks of intertextuality (Bloom, Straus, López-Cano), musical ekphrasis (Bruhn), and contemporary theories of transmediation and migration of meanings, the study proposes an integrated analytical model for understanding hybrid musical practices within a multisemiotic and multimediatic cultural environment
La creatividad musical se vincula a desequilibrios mentales porque los artistas son vistos como inadaptados sociales y depresivos. Así, la complejidad del estado psicológico de los creadores musicales se reduce a estereotipos sociales que se ligan al pensamiento creativo, al desequilibrio mental, al estrellato y a las muertes trágicas. El presente estudio exploratorio tiene como objetivo revisar el estado psicológico de los creadores musicales, a partir de la evidencia reportada en la literatura científica. Se utiliza un diseño cualitativo basado en el método comparativo constante de carácter deductivo. Los resultados revelan que los creadores musicales pueden sentirse solos al lidiar con las barreras sistémicas, pero quienes satisfacen su propia necesidad de afiliación logran establecer vínculos con otros creadores musicales, así como emprender iniciativas autogestionadas que dignifican la actividad musical y favorecen la autonomía creativa. En conclusión, los contextos sociales plantean tantas barreras sistémicas que se ha construido una serie de estereotipos sociales en torno a la figura del creador musical.
Este estudio toma como objeto de análisis el proyecto Renaissance (2022–2023) de Beyoncé, concebido como un universo cultural expandido. El objetivo principal es examinar cómo se construye y consolida su marca a través de una campaña transmedia. Se busca comprender en qué medida este caso ilustra transformaciones recientes del marketing musical y del branding artístico en la era posdigital. Se adopta un enfoque cualitativo e interpretativo mediante un estudio de caso instrumental. El corpus combina fuentes primarias y secundarias. El análisis descriptivo y el semiótico-cultural permiten identificar patrones narrativos y estéticos y desentrañar significados sociales. Los resultados muestran que Renaissance consolidó una identidad disco-futurista mediante símbolos recurrentes, narrativas en actos y la implicación activa de la comunidad fan de la artista, que amplificó el proyecto con retos virales y lecturas colectivas. La gira mundial y los eventos exclusivos trasladaron la estética del álbum al plano presencial, mientras colaboraciones con marcas de lujo y la distribución independiente del documental reforzaron su dimensión cultural. Se concluye que Beyoncé transformó un lanzamiento musical en un acontecimiento global que visibiliza y homenajea a comunidades afrodescendientes y queer. El estudio ofrece una visión integral del marketing musical posdigital y muestra cómo un proyecto artístico puede operar como universo transmedia que combina estética, activismo y marca. Renaissance se presenta como modelo paradigmático de branding cultural en la era postpandemia y abre preguntas sobre accesibilidad y sostenibilidad.
La transferencia de aprendizajes desde la formación inicial docente a la práctica escolar continúa siendo un desafío clave en la investigación educativa. Este estudio examina este proceso mediante proyectos musicales basados en Project-Based Learning, diseñados por estudiantes del Grado de Maestro de una universidad española e implementados en aulas reales de educación primaria. La metodología incorporó validación ecológica a través de la colaboración con especialistas en educación musical. Los resultados revelan una brecha perceptiva sistemática: los estudiantes universitarios sobrevaloraron la efectividad de sus diseños (diferencia de 77.2 puntos porcentuales en el resultado final; V de Cramer = .789 en la adecuación al nivel). Ambos grupos convergieron en motivación e innovación, sin diferencias significativas. Se concluye que la colaboración universidad-escuela y la validación ecológica son elementos clave para mejorar la coherencia entre teoría y práctica en la formación docente. El estudio aporta un modelo replicable y destaca la necesidad de fortalecer la calibración pedagógica del futuro profesorado mediante experiencias auténticas en contextos escolares reales.
El artículo analiza los procesos de patrimonialización del Carnaval de Cádiz y sus agrupaciones musicales desde el siglo XIX hasta la actualidad, abordándolos desde el marco conceptual y normativo del Patrimonio Cultural Inmaterial impulsado por la Convención de la UNESCO de 2003. A partir de una metodología que combina trabajo etnográfico, análisis documental y revisión de fuentes históricas, sonoras y audiovisuales, el estudio examina cómo la progresiva institucionalización de la fiesta ha venido a configurar un modelo de carnaval urbano centrado en la copla y en sus actuales agrupaciones: comparsas, coros, chirigotas, cuartetos y romanceros. Se sugiere por tanto, poner la atención patrimonial no solo en lo cultural, sino en la expresión musical. Durante el siglo XIX, la municipalización y reglamentación por la burguesía, favoreció e impulsó el refinamiento y la incipiente profesionalización y espectacularización de las agrupaciones y música de carnaval. En la Dictadura franquista, su prohibición posibilitó su recreación como “Fiestas de Coros” y “Fiestas Típicas Gaditanas”, bajo el estricto control político. Con la democracia, el Concurso Oficial de Agrupaciones Carnavalescas se consolidaría como el dispositivo central de canonización y difusión mediática de las coplas, intensificando la massmediatización y mercantilización de la práctica musical. Finalmente, el trabajo aborda los distintos niveles actuales de activación patrimonial -local, regional, estatal e internacional-, subrayando las tensiones entre institucionalización, participación comunitaria y creatividad musical, y evidenciando cómo la patrimonialización del carnaval gaditano constituye un proceso dinámico, atravesado por intereses políticos, identitarios, turísticos y culturales.
Este artículo examina la relación entre emoción y significado en la música de José Suñer-Oriola desde una perspectiva estrictamente enmarcada en la Neurociencia de la Música. El objetivo principal es analizar cómo determinados rasgos estructurales, temporales y perceptivos de su lenguaje compositivo favorecen la emergencia de experiencias emocionales complejas y de procesos de significación no proposicional, entendidos como construcciones dinámicas entre estímulo sonoro y sistema nervioso del oyente. El estudio se apoya en modelos contemporáneos de procesamiento musical que integran codificación predictiva, teoría de la expectativa, embodiment, redes neuronales distribuidas y mecanismos de memoria musical. Desde esta perspectiva, la emoción musical no se concibe como un epifenómeno subjetivo, sino como un proceso multilevel que articula respuestas fisiológicas, afectivas, cognitivas y temporales. El análisis propone que la música de Suñer-Oriola opera como un entorno sonoro de alta densidad informacional que estimula la reorganización continua de expectativas perceptivas, favoreciendo estados emocionales caracterizados por ambigüedad, tensión prolongada y significado emergente. Se argumenta que estas dinámicas pueden explicarse mediante la interacción entre sistemas límbicos, paralímbicos y corticales, así como por la activación de mecanismos de simulación sensorimotora y memoria episódica. El trabajo contribuye a un diálogo interdisciplinar entre análisis musical, estética y neurociencia, proponiendo un marco interpretativo que sitúa la experiencia estética como un fenómeno neurocognitivo encarnado y temporalmente extendido.
El presente artículo analiza el desarrollo del rap chileno en el siglo XXI a partir de un corpus compuesto por “promocionales” de festivales de rap autogestionados. Entendemos las promocionales como piezas musicales de carácter extendido y con la participación de una multiplicidad de voces, creadas con el propósito inicial de convocar a las audiencias a participar en los eventos que publicitan. No obstante, sostenemos que su función trasciende ampliamente la dimensión promocional: dichas producciones musicales se han consolidado como objetos culturales de alta relevancia dentro de la escena del rap chileno tanto por las estéticas sonoras que despliegan, como por los tópicos que abordan. Estas composiciones articulan narrativas a nivel de letras de canción que profundizan en imaginarios, valores y sensibilidades propias de los hiphoperos chilenos, proyectando una densidad literaria que complejiza la comprensión convencional de este género musical. Proponemos que el estudio de las promocionales constituye una vía privilegiada para comprender el desarrollo reciente del rap en Chile, en tanto permite observar procesos de creación artística que han sido escasamente explorados por la literatura especializada.
La evolución de la educación musical y la inteligencia artificial (IA) con la introducción de nuevas aplicaciones, usos y recursos está transformando y ampliando los modos y oportunidades de la enseñanza y aprendizaje. Investigadores, educadores musicales, programadores y desarrolladores de software están integrando herramientas de IA para mejorar las prácticas educativas en todos los niveles y contextos. El objetivo del estudio es analizar el alcance y la evidencia del uso y aplicación de la IA en educación musical. Este trabajo presenta una revisión exploratoria de 69 estudios revisados por pares e indexados presentada en un diagrama de flujo PRISMA. El trabajo organiza la información en un sistema de categorías de estudio: aprendizaje autónomo, aprendizaje asistido, aprendizaje generativo y aprendizaje evaluativo. Los resultados obtenidos requieren una reflexión crítica de la aportación de la IA a la educación musical como recurso que convive, apoya y enriquece la esencia humana y artística de la experiencia educativa y creativa musical. El estudio proporciona una base de conocimiento que puede guiar a educadores e investigadores en el avance e integración de enfoques de la IA en la práctica educativa musical.
O surgimento da esquizofonia (Schafer, 2001) trouxe a possibilidade de separar a performance do instante de sua realização, permitindo a repetição ilimitada, ad infinitum. A mediatização acústica passou a vincular indissociavelmente performance, escuta e memória. Com o surgimento da inteligência artificial, a natureza da criação desloca seu centro de referência: a música mediatizada não se limita à cópia ou à reconstituição de paisagens sonoras, arranjos e modelos performáticos; passa a permitir a inclusão de novas obras feitas a partir de amostragens. Com isto, desencadeia-se um processo de dissociação entre a obra e a performance. Assim, as múltiplas versões desvinculadas da original resultam em situações semioticamente complexas, além de questões éticas (direitos conexos de imagem e à voz etc.). Sob uma abordagem semiótica, cabe analisar em que medida o signo pode substituir o corpo e a voz reais. Selecionamos o videoclipe Now and Then, dos Beatles, e a peça publicitária Volkswagen: 70 anos – Gerações, com a participação de artistas já falecidos, como John Lennon e Elis Regina. Demonstra-se que, por meio da inteligência artificial (IA), os signos passam a ampliar, postumamente, a vida e a carreira dos artistas.
The scholarly investigation into the adaptation of Tang Xianzu’s works in the repertoire of Kunqu opera addresses a significant aspect that facilitates a deeper understanding of dynamics and transformations within the artistic realm. The objective of this research lies in the synthesis and analysis of the process of evolution and adaptation of the works of the Chinese writer Tang Xianzu in the repertoire of Kunqu opera. To achieve the research objective, a survey was conducted among instructors in artistic institutions specializing in Kunqu opera and the works of Tang Xianzu. A noteworthy aspect of the obtained results is that instructors acknowledged the significance of changes in the staging of Kunqu opera works in shaping the understanding and appreciation of the philosophical concepts of Tang Xianzu. Additionally, there is a statistically significant difference (t-statistic -3.73) between the perception and interpretation of Tang Xianzu’s philosophical ideas in traditional opera performances and new (or modified) versions of Kunqu opera performances. The experimental group, which viewed new or modified performances, exhibited significantly different perceptions and interpretations compared to the control group, which watched traditional performances. The practical significance of this article lies in expanding the understanding of the effectiveness and impact of the evolution and adaptation of Tang Xianzu’s works in Kunqu opera. The research results provide crucial insights for theatrical directors and instructors, aiding them in better comprehending how modifications in staging affect audience perception and evoke new interpretations of philosophical concepts.
Se presenta la edición de manuscritos musicales litúrgicos del siglo xix de la Catedral Matriz de Cuenca (Ecuador), sobre la base de los problemas particulares que tal proceso representó y de las soluciones acordadas en cada caso, en el contexto de los desafíos propios de la transcripción y adaptación de partituras históricas para su empleo interpretativo e investigativo contemporáneo. Se comparte una experiencia multidisciplinar que prioriza la fidelidad a las fuentes, mientras revela especificidades culturales de la práctica litúrgica local y conexiones con repertorios hispanoamericanos. Visto el proceso en su carácter de caso referencial, el ejercicio aporta claridad al manejo de las categorías de la praxis editorial en el ámbito musical, y ofrece respuestas teóricas, sobre la base de la práctica, que diferencian una edición crítica y una edición académica musical. El resultado contribuye tanto al estudio del patrimonio sonoro ecuatoriano como a la metodología de trabajo académico en la música.
O artigo reflete sobre as rearticulações da cena musical negra baiana em relação à música pop e seus diálogos com a tradição oral. Para tanto, realizamos o estudo de caso do álbum Pluralidade (2008), da banda de pagode Fantasmão, que nos permite pensar em diálogos musicais com a cena estabelecida em Salvador com o Ilê Aiyê em 1974, e seus atravessamentos com a música pop e gêneros musicais afrodiaspóricos. Para tanto, nosso argumento se baseia em estudos da música pop , das territorialidades e interseccionalidades para compreendermos como o pop atravessa a música negra de Salvador. O estudo do álbum que introduz o chamado groove arrastado permitiu observar os fluxos intensos do pagode baiano com a rede musical afrodiaspórica do Atlântico Negro, com a música pop e o samba duro.
Resumo: Este artigo teve como objetivo examinar a trajetória de vida e as obras Medroso de Amor (1894) e A Jangada (1920) do compositor brasileiro Alberto Nepomuceno (1864-1920). A análise se fundamentou em elementos da Teoria Enunciativo-Discursiva da Linguagem, de Mikhail Bakhtin (2003), considerando o entrelaçamento de enunciados presentes nessas trajetórias e obras, as intrincadas teias de relações e tempos que incorporaram e, consequentemente, os sentidos e significados que as permeiam. As análises das obras revelaram gêneros do discurso compostos por um compositor imerso nas profundas transformações do cenário brasileiro do final do séc. XIX e início do século XX. Compositor que fez deslizar suas atuações e obras, seus interesses pessoais e institucionais, entre diferentes polos e necessidades, forças e poderes diversos, ideologias republicanas, modernistas e nacionalistas. Suas obras continuaram sendo recebidas e atualizadas por outros compositores e intérpretes em outros tempos e espaços, evidenciando o dialogismo de Bakhtin, ou seja, o entrelaçamento de novos enunciados e significados.
El objetivo principal de este estudio que es conocer y cuantificar la producción científica de Brasil sobre educación musical desde 1999 a 2024 en las bases de datos Scopus y WoS, así como establecer posibles relaciones entre las diferentes unidades de análisis (artículos, revistas, autores, países) y tendencias de investigación. La muestra ha estado conformada por 666 artículos sobre educación musical en revistas brasileñas o publicados por autores brasileños en revistas de otros países. Se ha optado por un estudio bibliométrico a partir de indicadores de: producción, impacto de citas e impacto de revistas. Se ha realizado un análisis descriptivo de los datos (F, M, DT) para presentar la distribución de las diferentes variables, análisis de correlación para detectar relaciones entre variables y un análisis inferencial con diferentes técnicas y fines (análisis de regresion, ANOVA y Análisis Factorial de Correspondencias Múltiples). Los resultados constatan la creciente producción científica de Brasil relacionada con Educación Musical (tasa de crecimiento anual del 16.01%), sobre todo a partir de 2020 que llega incluso a duplicar los resultados de los años anteriores. Asimismo, revelan que las temáticas más frecuentes investigadas en Brasil, según las palabras claves utilizadas por los autores, estaban relacionadas con la formación del profesorado, interpretación musical, arte, metodología musical y tecnología digital. Además, se ha identificado un grupo reducido de revistas y de autores con mayor productividad científica en Brasil relacionada con Educación Musical y se ha detectado la colaboración con otros países, principalmente con Estados Unidos, Portugal, Reino Unido y España.
The exploration of the ethnic differences in the ontological beauty of shamanic music within the context of postmodernism is focused on in this thesis, which will be achieved through an analysis of the musical object forms and their corresponding associated elements and symbolic contexts. Although the concepts of shamanic music in Korea and China are both categorized as religious, it is observed that a dramatic aesthetic expression in music has been developed in Korea because of the dynamic construction of their differing historical and cultural backgrounds, which is attached to shamanism, Buddhism, Confucianism, and other cultural influences. In contrast, an emphasis is put on the direct, non-reflective sensory aesthetic religious expression in China. However, it is recognized that an “overall beaut” in their aesthetic spirit, is embodied in both of them, where a fascination and reverence for natural objects and the interconnectedness and balance of all things in the cyclical process of nature are reflected.
Este estudo analisou a produção acadêmica sobre bandas de música no Brasil no período de 2021 a 2024, dando continuidade ao levantamento realizado por Silva et al. (2023), publicado na revista Música Hodie, que contemplou as publicações entre os anos de 2009 e 2020. Esta pesquisa seguiu um protocolo de revisão integrativa, com foco em teses, dissertações e artigos publicados e indexados em bases de dados nacionais. Após a triagem de 425 trabalhos, foram selecionados 77 estudos para compor a amostra final, sendo 36 dissertações, 34 artigos e 7 teses. A metodologia envolveu uma análise bibliométrica e uma análise lexicográfica, esta última realizada com o apoio do software IRaMuTeQ. Os resultados indicam as revistas e instituições com maior índice de publicações, além da predominância de estudos com enfoque histórico e cultural, seguidos por temáticas relacionadas aos processos de ensino e aprendizagem. Espera-se que este trabalho contribua para uma melhor compreensão do cenário das pesquisas relacionadas às bandas de música em âmbito nacional, apontando lacunas e possíveis direcionamentos para a condução de novos estudos.
O trabalho propõe abordar a estética hiper-romântica do compositor cubano Leo Brouwer utilizando como exemplo o primeiro movimento da obra El Decameron Negro. A pesquisa está dividida em duas grandes partes: a primeira discute as características do período denominado hiper-romântico e sua influência extramusical advindas do real maravilhoso literário (FROBENIUS, 1938; CARPENTIER, 2022). Já a segunda parte é organizada em duas subseções em que no início é analisado o movimento inicial da obra supracitada como forma de demonstração das técnicas composicionais hiper-românticas (LENDVAI, 1971, BROUWER, 2004), e em seguida os resultados analíticos são relidos através dos conceitos de topos e narratividade na perspectiva da construção de uma trama sonoro-musical (AGAWU, 2009; GRABÓCZ, 2013).
La motivación es un elemento crucial en el aprendizaje. El objetivo de este estudio ha sido investigar la motivación de 4 jóvenes estudiantes (10-11 años) de viola y violín antes y durante la práctica utilizando un software de evaluación y entrenamiento instrumental en tiempo real (NAME: anonimizado). Se ha empleado la Teoría de Expectativa-Valor y la Teoría de Metas de Logro como marcos a través de los cuales comprender la motivación de los estudiantes. Los estudiantes respondieron a una entrevista semiestructurada relacionada con la Teoría de Expectativa-Valor y completaron un diario de estudio personal vinculado a la Teoría de Metas de Logro. Los resultados sugieren que los estudiantes tienen creencias, expectativas y valores positivos hacia la entonación y su práctica con el software NAME. Además, los estudiantes indicaron en sus diarios de práctica que adoptaron solo aspectos relacionados con la motivación intrínseca en su práctica en casa con el software. En consecuencia, las creencias, expectativas, valores positivos y la motivación intrínseca sostenida son consistentes con las buenas puntuaciones obtenidas por los estudiantes en NAME, lo que apoya la influencia de la motivación en el aprendizaje instrumental.
This exploratory study investigated the effects of binaural and stereo self-listening on musicians’ neural responses during the mental simulation of their own musical performances. Six musicians participated in two EEG-monitored sessions in which they listened to binaural and stereo recordings of their performances in a counterbalanced order. Our hypothesis was that binaural recordings, by preserving head-related transfer functions, would elicit stronger neural activation related to spatial perception, emotional engagement, and motor simulation compared to stereo recordings. The study examined differences in brain activity related to sensory, motor, and emotional processing between the two conditions. The results indicated that binaural self-listening induced broader cortical activation patterns aligned with sensorimotor and emotional processes, while stereo recordings were associated with greater frontal activation linked to cognitive effort and attentional control. These findings suggest that binaural self-listening enhances mental performance simulation and may offer a promising tool for therapeutic interventions targeting music performance anxiety in contexts where physical practice is not feasible. Future research should employ larger samples and inferential analyses to strengthen these initial findings.
