Few German intellectuals would deny that climate change is bringing about a deleterious impact on the environment and Juli Zeh is no exception. Critics have noted this trend, and it has been asserted that her novel Unterleuten (2016) exhibits a mourning for the loss environmental degradation of the natural world has brought about on a global scale. However, previous scholarship has largely ignored Zeh’s highly critical view of the politics of environmentalism on the part of business, media, and political elites. Unterleuten and her more recent novel Zwischen Welten (2023), co-authored with Simon Urban, show the disastrous impact of creating mandates putatively aimed at protecting the environment when there is no attempt to positively engage the active participation of rural communities in helping to create sustainability. The following essay draws on both affect theory and ecocriticism to show that in recent writing, particularly in the above-mentioned novels, Zeh (and Urban) portray the ecological movement, and leftists in general, as out of touch with rural Brandenburg citizens and their daily concerns. Zeh’s recent work evokes a broad disaffection with progressive politics on the part of this populace that might be ameliorated if the government, cosmopolitan business and media figures as well as leading environmentalists treated particularly farmers as mature citizens (“mündige Bürger” in Kantʼs sense of the term) rather than as an ignorant mass which must simply be manipulated into accepting sustainable energy and an ecofriendly approach to agricultural practices.
Das DFG-Projekt „Trenker – (Dis-)Kontinuitäten einer transalpinen Medienmarke“ widmet sich den komplexen Selbstinszenierungsstrategien, derer sich der Südtiroler Bergsteiger und Medienakteur Luis Trenker geschickt zu bedienen wusste, um sich langfristig und trotz seiner problematischen Verbindungen zum Nationalsozialismus als erfolgreiche Marke in der deutschen Medienlandschaft zu etablieren. Bis kurz vor seinem Tod rief Trenker sich und seine Erzählkunst, die gleichzeitig zentrales Element und Medium seines „personal brandings“ ist, in Interviews und Talkshows ins Gedächtnis. Doch wie kann diese Medienmarke ohne ihr stärkstes Instrument, Trenkers Life-Performances, weiterbestehen, wie hat sie sich seit seinem Tod verändert, bzw. ist sie in der Medienlandschaft überhaupt noch präsent? Diesen Fragen widmet sich der vorliegende Beitrag. Dazu wird zunächst thematisiert, wie die Erinnerung an den Südtiroler in den heutigen Medien aufrechterhalten wird. Anschließend wird anhand von drei Werken aus dem Bereich der alpinen Populärliteratur untersucht, inwiefern Trenker bis heute als Referenz eines bestimmten Bergsteigertypus herangezogen wird, während gleichzeitig sein Erzählstil zum Modell anekdotischer Bergliteratur avanciert ist.
Der postkoloniale Blick in den Romanen von Arnold Stadler Am siebten Tag flog ich zurück. Meine Reise zum Kilimandscharo (2021) und Irgendwo. Aber am Meer (2023) unterscheidet sich wesentlich von den seit den 60er Jahren des 20. Jahrhunderts etablierten Wahrnehmungsarten der ehemals kolonialisierten Gebiete in Afrika in der deutschsprachigen Gegenwartsliteratur. Der Autor bündelt sie als Instrumentarium zur Aufdeckung der verborgenen, schweren Last des Kolonialismus, der einen unbewussten Teil seiner Identität ausmacht, befreit sie von ideologischen Zuordnungen und schafft Raum für persönliche, durch den nomadischen Charakter seines Erzählers determinierte Sicht auf das von ihm bereiste Gebiet. Aus Mangel an einem festen Zuordnungsmaßstab kann er sich nicht von dem Fremden scharf abgrenzen und es als ein konstantes Gegenüber substantialisieren. Das Verhältnis zwischen den beiden Seiten beruht auf der doppelten Kontingenz. Eine solche Konstruktion schließt eine eindeutige Zuordnung von eingesetzten Begriffen aus, lässt einerseits die Ähnlichkeiten und Schnittpunkte zu, gewährleistet andererseits gleichzeitig die Andersartigkeit des Wahrgenommenen und schafft neue Möglichkeiten für Kommunikation.
Der Neuanschwung des organisierten Rechtsextremismus begann in den DDR-Gebieten bereits in den 80er Jahren, doch wenige ahnten damals, dass er sich zum heutigen Ausmaß entwickeln würde. Einige Intellektuelle zeigten jedoch Weitsicht. Ein klandestiner Aufsatz des Regisseurs Konrad Weiß warf 1987 einen scharfsinnigen Blick auf die sozialen Ursachen des Phänomens. Nach harten Kämpfen durfte Roland Steiner den Dokumentarfilm Unsere Kinder drehen, der 1989 für Aufsehen sorgte und in einer Schlüsselszene Christa Wolf im Interview mit zwei rechtsextremen Jugendlichen zeigt. Thomas Heises Dokumentation Stau inspirierte 1992 Heiner Müller zum Text Küste der Barbaren, der mit seinen Prognosen kommender „Angriffe auf die Schwächeren, Asylanten und Ausländer, der Armen gegen die Ärmsten“ heute durch seine Voraussicht beeindruckt. Der Artikel zieht einen roten Faden durch diese vier Werke und zeigt, wie sie dem sozialistischen bzw. deutsch-deutschen öffentlichen Diskurs verdrängte und spannungsgeladene Gegenrealitäten sozialer Not und Gewalt entgegensetzen. Ausgehend von einer noch materialistisch motivierten Zivilfunktion von Kunst als Darstellung „gegen den Strich“ (Walter Benjamin), bieten sie diskordante Zeugnisse zur Erinnerungskultur der Wendezeit, die bis heute eine bedrückende Aktualität bewahren.
Der Beitrag arbeitet die Rolle von Christoph Schlingensiefs Schaffen in den ästhetischen Konstellationen der Künstlerformation Neue Walisische Kunst-Aufbauorganisation (NWK–AO) heraus. Im Mittelpunkt steht dabei, wie Techniken und Formate Schlingensiefs in einem den dilettantischen Avantgarden verpflichteten Imitieren epistemisches Potential entwickeln. Wie eine tiefgreifende Analyse von Manifesten und Happenings der NWK–AO herausarbeiten wird, überprüft sie mittels transkreativer Übersetzung vor allem deutschsprachiger Traditionsbezüge in die kulturelle Landschaft von Wales die Avantgarden und deren geschichtliche Situation auf das 21. Jahrhundert und reflektiert die eigene künstlerische Tätigkeit. Der Beitrag führt zur Beschreibung dieser spezifischen ästhetischen Konstellation den Begriff der Avantgardeaufgabe ein, und bietet damit einen Begriff, der es erlaubt, zeitgenössische Anschlüsse an die Traditionen der Avantgarde neu zu sichten.
An Beispielen aus Christoph Schlingensiefs Ready-Made-Opera Mea Culpa (2009) werden zwei Methoden einander gegenübergestellt: die Aufführungsanalyse und die Regiebuchanalyse. Die vom Wiener Burgtheater bereitgestellte Version von Schlingensiefs Regiebuch zu Mea Culpa enthält den Text, Regieanweisungen zu Auf- und Abtritten sowie zu manchen Gesten und erwähnt Video- und Toneinspielungen. Die Begrenztheit dieser Informationen unterstreicht die Differenz der Regiebuchanalyse zur Aufführungsanalyse und betont die Notwendigkeit eines theaterwissenschaftlichen Methodenpluralismus. Im Zusammenspiel beider Zugangsweisen erschließen sich Charakteristika von Schlingensiefs Ästhetik wie das der Überreizung oder der Vieldeutigkeit. Während der Text des Regiebuchs eine gute Grundlage für die Analyse von Ironie und Komik bildet und – etwa mit dem Hinweis auf Paul Thek – überraschende Deutungsangebote liefert, lässt sich das Verhältnis von Musik und Text nur anhand der Aufführung und unter Hinzuziehen der Partitur untersuchen.
Die Forschung hat sich bisher nur kursorisch mit Christoph Schlingensiefs letztem TV-Projekt Die Piloten (2007) beschäftigt. Der vorliegende Beitrag zeigt, dass die Piloten nicht einfach nur das Vorgängerprojekt Talk 2000 aufgreifen, sondern dessen Spiel mit dem Format Talkshow im Speziellen und dem Medium Fernsehen im Allgemeinen noch einmal radikalisieren. Versteht man die Piloten als ein Versuchsformat, so wird klar, dass in dem Umstand, dass die Sendungen nie ausgestrahlt wurden, nicht ein Problem des Projektes liegt, sondern dessen eigentliches Potenzial. Es geht nicht mehr um die Produktion einer Fernsehsendung, sondern um deren Simulation.
German literature is replete with woe and warfare and all-too frequent tragic endings. One unlikely literary motif reveals an unsuspected wealth of victorious, even uplifting tales from the depths of painful physical loss: amputations and prosthetics. A recent growth in literature concerning this topic has emerged in both the sociological field of Disability Studies (Grayson and Scheurer) as well as within literary studies (Engelstein's Anxious Anatomy and Ingwersen's "Prothesen und Cyborgs"). German literature offers countless examples of amputated or prosthetically enhanced figures within this unusual but illustrative motif. This paper focuses on three wellknown stories involving amputations and prosthetics: Adalbert von Chamisso's Peter Schlemihls wundersame Geschichte (1814), the Brothers Grimm fairy tale "Sechse kommen durch die ganze Welt" (1819) and Thomas Bernhard's "Viktor Halbnarr. Ein Winterm & auml;rchen nicht f & uuml;r Kinder" (1966). The grotesque nature of the conspicuous injuries and their various prosthetic adaptations are leveraged through literature to elevate fragmented, incomplete human beings and even national identities by highlighting the indefatigable nature of the human spirit.
In this essay, I re-read Christoph Schlingensief's 1990 Das deutsche Kettens & auml;genmassaker as a metatext that adopts and adapts the sensibilities of the splatter film, a subgenre of horror that caused a veritable moral panic in West Germany during the 1980s. I argue that Das deutsche Kettens & auml;genmassaker dissects the nation's changing mediascapes after the private turn, in programs, and commercials. To this end, the film "remakes" Tobe Hooper's 1974 The Texas Chain Saw Massacre and its carnivalesque follow-up The Texas Chainsaw Massacre 2 (1986) by the same director - both of which were banned by the German authorities - to (a) rip to pieces the sedating media flows surrounding the fall of the Berlin Wall and Germany's looming reunification and (b) to argue for a body politic that violently mashes East and West into one grotesque mass of reassembled "new" national flesh - a monstrosity, however, that still shares a pulsing artery with the Third Reich. Ultimately, Schlingensief suggests that both the Federal Republic of Germany and the German Democratic Republic were continuations of National Socialism by different means, regardless of the conflicting national master narratives that claimed otherwise.
The article reads Christoph Schlingensief's performance Bitte liebt & Ouml;sterreich (2000) as disclosing and critiquing a conundrum in the construc-tion of human rights and exposing the biopolitical as a structural feature of the democratic dispositif and the classical public sphere. Schlingensief's ethically ambivalent strategy of over-identification traces the substitution of deliberative political models with forms of gamification, thus illuminating the production of "bare life" in the context of late-stage capitalism. The article maintains that Schlingensief investigates the emerging attention economies and their subjectification techniques, exposing the ways in which affect produces and organizes identities and publics under neoliberalism.
This article examines Baden im Wolfgangsee, an action performed by Christoph Schlingensief during the election campaign of his political party Chance 2000. Schlingensief sought to make marginalized people visible by calling for Germany's six million unemployed to enter Austria's Wolfgangsee simultaneously, while he invited others at home to enter their bathtubs to show solidarity with the unemployed. By contrasting this action with Einkaufen im KaDeWe, in which Chance 2000 party members entered posh shopping mall, this article demonstrates how solidarity overcomes the distinction between presence and absence and turns the private sphere of the home into a political sphere. Drawing on theories of assembly and performance by Hannah Arendt and Judith Butler, I read these two actions as different acts of solidarity.
The folkloric tradition linking women to water spirits is well attested among the work of German women writers of the long 19th century. Their characterizations challenge conventional stock portrayals in tales made famous by the Brothers Grimm and they critique patriarchal structures that assert dominance over feminized nature. The mermaid-like figures in Ricarda Huch's "L & uuml;genm & auml;rchen" (1896) and Charlotte von Ahlefeld's "Die Nymphe des Rheins" (1812) mobilize dishonesty as a discursive tool that I read as queer to negotiate patriarchal life on land. Whether as recipients or tellers of falsehoods, these protagonists thrive in a world in which their male interlocutors brandish untruths to suppress and control nature. These depictions of transgressive bodies inextricably linked to the natural world challenge conventional notions of sex, identity, and biology to pose a uniquely queer potential. Drawing on queer and feminist ecocritical theories, this paper proposes a queer ecocritical framework that examines these figures as feminized harbingers of the natural world. From the celebration of identity to the denial of heterosexual marriage as a happy ending, these figures transgress bodily and sociocultural norms to resist patriarchal suppression and control.
In a fairy tale, the social rules and exceptions are flexible, and the social hierarchy is in place precisely to display potential flexibility. In this research, Kore Yamazaki's Frau Faust (2017) serves as a transmodern fairy tale retelling of the Faustian legend, challenging social boundaries by reimagining Faust as an adolescent female who pursues educational goals beyond her prescribed social status and gender role. Yamazaki employs the trope of absentation, defined by Vladimir Propp (1968) as a hero or family member leaving the security of home. Johanna Faust enacts this trope when she signs a contract with the devil and departs to satisfy her innate drive for knowledge-an opportunity otherwise unattainable due to her gender and social position. Through this contract, she secures the scholarship she desires, transcending societal constraints. In this fairy tale manga, Johanna is not confined by social expectations; instead, she actively challenges her mar-ginalized position, and the educational barriers imposed on her. Yamazaki's female Faust, across the five-volume series, contests the legitimacy of the dominant male Faustian legend. Her portrayal of the female Faust diverges from both the traditional male Faust, who pursues self-fulfillment through the quest for knowledge, and the figure of Gretchen, who guides Faust to-ward repentance and redemption. Instead, Yamazaki's female Faust transcends the socially prescribed and gendered roles imposed by society, positioning her as a fairy tale protagonist who surpasses the limitations of these conventional narratives.
Generations of American college students first encounter Grimm fairy tales as children through Disney film adaptations and often struggle to overcome the nostalgic, visual connections they have when approaching the fairy tales again as adults. My main goals in the classroom are to unsettle my students' associations and assumptions that have been preconditioned by those films, and to help them take an active role in the storytelling expe-rience. Analyzing a range of fairy tale illustrations can help students unsettle their assumptions and reset their expectations as they (re)approach the text. This article shares some of the unsettling, illustrated collections that my students and I have found useful for productively contaminating fairy tales. Each of the collections explored forces the reader/viewer to engage directly with questions of textual fidelity, publication and reception history, and narrative focalization. Taken together, they are useful tools to help students disenchant the Disney spell and explore the delightful and disturbing depths of the fairy tales' form, content, and context.
Christoph Schlingensief's excursions beyond the theater are well known for their disruptions of public space (i.e., streets, theaters, art muse-ums, churches, and shopping centers). This essay reorients the discussion of these projects, moving from a focus on public spaces to the social labor of 'aesthetic commoning.' Considering Passion Impossible (1997), Chance 2000 (1998), the African Edition of Schlingensief's Animatograph (2005), his Operndorf and Via Intolleranza II (2010) as a network of activities rather than discrete projects draws attention to the publics who were part of Schlingensief's performances outside of the theater and who (in some cases) con-tinued them on their own terms. This article sheds light on the irresolvable tension between spontaneity and the quotidian that troubled Schlingensief's projects in the long term, including his interventions in Africa: the immediacy of collective creativity emerges out of and is sustained by the ongoing labor of everyday commoning.
