This article explores the aesthetic experience of trail running as a form of movement-knowledge, understanding it simultaneously as a methodological practice and a living laboratory of creation. In dialogue with contemporary artistic practices grounded in displacement across landscapes, the text examines the incorporation of speed and pause as performative instances of knowledge. Finally, it highlights how the experience of trail running, articulated with these practices, challenges distanced, dichotomous, and anthropocentric ways of understanding landscape, affirming it as a living dimension and a field of relations traversed by multiple sensitive intelligences.
This article examines the relationship between urban artifacts and works of art as proposed by Aldo Rossi, with the aim of defining a compositional procedure for interventions in buildings of cultural value. Based on this framework, the article analyzes the Plaza Real building in order to investigate how the upgrading of heritage infrastructures can integrate modernization criteria without compromising pre-existing architectural values. This analysis is contrasted with the regulatory framework established by Decree 763 of 2009 and the principles set out in the charters of the International Council on Monuments and Sites, highlighting the need to move beyond a purely normative approach toward an analytical perspective. Furthermore, urban science governance is proposed as a central axis in project decision-making, avoiding disciplinary fragmentation in heritage conservation. From this perspective, an intervention model is proposed that harmonizes conservation with sustainability and climate change adaptation, ensuring the historical continuity of the city without restricting its functional and cultural evolution.
Assistive Technology (AT) plays a crucial role in enhancing the independence and quality of life for individuals with mobility impairments, with the wheelchair standing as one of the most prevalent and vital devices. However, while extensive research has focused on optimizing biomechanical performance and functional ergonomics, the emotional dimension of user experience has received considerably less attention. Addressing this gap, the present study investigates the influence of wheelchair design on users' emotional responses, specifically comparing rigid-frame and folding-frame models. Emotional data were collected from 26 participants using the Geneva Emotion Wheel (GEW). The results reveal a clear divergence, rigid frame designs consistently elicited more positive affective states, including joy, curiosity, pride, and admiration. In contrast, folding-frame models were associated with a higher frequency of negative emotions. A significant gender-based disparity was observed, with female users reporting more intense negative reactions, such as sadness, shame, and repulsion, whereas male participants demonstrated a greater propensity for positive emotions. These findings underscore the critical need to integrate emotional and psychological factors, alongside gender perspectives, into the AT design process. More broadly, this research advocates the application of emotional design and cognitive ergonomics principles to develop products, services, and systems that not only function effectively but also promote user well-being, reduce stigma, and foster inclusive societal participation.
This article presents the design process and evolution of Ancízar, the institutional typeface of the Universidad Nacional de Colombia, developed between 2014 and 2024 as the result of an academic research-creation process aimed at strengthening the institution’s visual identity. It examines its origin as part of an institutional visual identity strategy, as well as the formal decisions that defined its structure, proportions, character set, and legibility principles. The article discusses the general features of its design, the historical and conceptual references that guided its development, and the process of synthesis that enabled the construction of a coherent, functional, and technically robust type family. It also reviews updates implemented in recent years, including the expansion of the typographic repertoire through the incorporation of glyphs from the Greek alphabet and the International Phonetic Alphabet (IPA), with student participation as part of academic internships. Finally, the article describes the institutional decision to release the type family under the Open Font License (OFL) and its publication on Google Fonts, which not only ensures global accessibility but also represents a significant contribution to open access and typographic heritage from a Latin American public university.
Rather than being a research article, this text is a reflective note that highlights the importance of becoming aware of the action of processes upon inanimate objects that, at first glance, seem to have no stories to tell. Originating from an academic context framed within art history, it proposes an approach to the geological processes studied by Earth sciences through analogies related to the author’s personal experiences and perspectives on the active art of Jackson Pollock’s Abstract Expressionism and elements of Land Art. Furthermore, it invites readers to think about the planet from a geological perspective, as the fascinating result of a continuous artistic process unfolding over millions of years, one that offers far more than merely providing materials for the creation of artworks. Through the observation of objects as traces of a process, the text shows that rocks, in addition to being works of art in themselves, may, through geological and technical-scientific processes, become vestiges, syntheses, and points of convergence of phenomena and temporalities recognizable within process art.
No presente artigo, Jorge Soledar, artista visual e professor de estética na Escola de Belas Artes da UFRJ, propõe o conceito de «iconografias medusantes» para analisar certos autorretratos disseminados na internet sob a forma de selfies. Tais imagens são interpretadas como uma retórica de marketing pessoal, em que a subjetividade se cristaliza sob o signo neoliberal, reduzindo a experiência da autoimagem a mera representação comercial ou briefing. Soledar associa tal fenômeno a uma dinâmica de massas de caráter solipsista, isto é, uma obscura obsessão de si mesmo, cujas teatralidades são performadas em nome de curtidas, impulsionamentos e publicidades nas redes sociais, que ora se confundem com alienação e/ou narcisismo. Assim, o texto elabora uma crítica cultural a partir de pesquisas artísticas que se interessam em revisar a espetacularização da vida e recondicionamentos, conforme teorias de Guattari, Foucault e o neoconcretismo brasileiro, exercitando nas Artes Visuais, críticas contra a imobilidade.
Esta contribución académica presenta un compendio de métodos visuales, los cuales son muy útiles en el diseño y desarrollo de productos para comprender las variables que juegan un papel en dichos procesos. Es el resultado de una investigación que incluyó una revisión sistemática no exhaustiva de los métodos, observación de campo y validación con expertos. Los métodos están organizados en diferentes categorías que facilitan su ubicación, dependiendo de la actividad de diseño que se esté llevando a cabo.
El siguiente texto corresponde al marco teórico y estado del arte para el desarrollo de una investigación cualitativa de corte etnográfico y con un enfoque transdisciplinar denominado: La pantalla collage: el nuevo escenario de la estética visual y relacional a partir de la apropiación pictórica. La investigación plantea una experiencia desde las prácticas creativas y de comunicación transmedia en la fase dos de internet o la denominada web 2.0. Los aportes de este artículo se centran en reflexionar sobre el impacto, los usos y las experiencias artísticas, estéticas y comunicacionales surgidas con la aparición de internet y el ecosistema digital de softwares y aplicaciones de código abierto que estimulan y potencian el trabajo colaborativo y en red, a partir de tecnologías que incentivan la emergencia de la cultura fandom, propiciada por las narrativas transmedia. El proyecto pretende revisar la estética universal on-line, visual y relacional que utiliza experiencias y prácticas creativas y de comunicación como el remix, el mampling, el morphing y el mash-up, desde la apropiación de obras artísticas pictóricas tomadas (asaltadas y readecuadas) de la historia del arte.
Este estudio examina cómo el giro lingüístico afectó la realidad y los movimientos artísticos en América y su posterior contrapunto con las nuevas formas de comunicación social. Se destaca la importancia de la subjetividad en la construcción del conocimiento y se analiza su influencia en las disciplinas del conocimiento organizado, explorando particularmente la situación en la historia del arte y las comunicaciones a través de la narrativa transmedia. Es así como, en el presente escrito, se espera analizar cómo influyó el giro lingüístico en el arte en los años 60 y 70 en América, dar cuenta del impacto de este acontecimiento en las vanguardias artísticas y cómo esto, a su vez, sirve para dar cuenta de procesos contemporáneos tales como la cultura de la convergencia y la creación de contenidos y comunidades.
La gamificación en el ámbito de la educación es una metodología de diseño de actividades de aprendizajes que incluye experiencias y elementos del juego, buscando el disfrute y las emociones positivas por parte de los estudiantes, además de mejorar significativamente el aprendizaje. Desde el 2008, existen evidiencias científicas de que no solo es una tendencia educativa, sino que se ha demostrado ser eficaz, que sigue siendo de interés para muchos investigadores y docentes y que su desarrollo e implementación se va a mantener e incrementando en el tiempo. En este estudio/proyecto, se creó, diseñó e implementó un proyecto de gamificación con base en narrativas transmedias para estudiantes de la carrera de Periodismo de la Universidad Viña del Mar, en la asignatura transmedia de Social Media de tercer año, lo que permitió experimentar una nueva forma de aprendizaje: lúdico, colaborativo e interactivo. La aplicación del juego transmedia, generó aprendizajes significativos tanto para los estudiantes como para el investigador y creador, permitiendo evidenciar una metodología que busca ser replicada en otras asignaturas y contenidos de los estudiantes de las universidades de Latinoamérica en el área de las comunicaciones.
Este proyecto busca definir el diseño de servicios en seis plazas de Bogotá, partiendo del debate de que todos somos diseñadores en cierta medida. Las plazas de mercado son un conjunto de espacios habitados de diversas formas; cuando hablamos de plazas, nos referimos no solo a una en específico, sino a las miles que existen alrededor del mundo. Cada una ofrece una experiencia diferente y cada una responde a necesidades y realidades sociales, políticas, económicas y técnicas. El objetivo es abordar un campo poco explorado en el diseño y analizar qué puede aportar este estudio en una época en la que la interdisciplinariedad y los diversos entendimientos del mundo son más necesarios que nunca. Como diseñadores, buscamos siempre abordar problemáticas y «mejorarlas» o «diseñar soluciones», pero también es crucial entender qué soluciones han creado las personas y bajo qué conocimientos lo han hecho. Para esto, el enfoque será desde el decolonialismo, las formas de conocimiento no académicas, la biopolítica, la seguridad alimentaria, las vivencias del cuerpo, los diseños heterodoxos, los ensamblajes sociotécnicos y las formas de cariño como herramientas catalizadoras para el diseño de servicios. Todo esto lleva a plantear una reflexión abierta en torno a las formas de diseñar y para quién diseñamos.
Este artículo tiene como objetivo hacer una lectura semiológica de dos proyectos de arte latinoamericano contemporáneo: Estorbo (2019) de Teresa Margolles y Herida oscura (2020) de Carlos Martiel. Al situarnos teórica y metodológicamente desde la semiología y en el campo de la interseccionalidad, nos interesa indagar en el carácter performativo de la frontera y en el sentido de residuo que adquiere el cuerpo en las obras ya que, como materia y signo, en el cuerpo se inscriben y leen los regímenes discursivos que dialogan con la tecnologización en el control del flujo de personas y con gobernanzas que tienden a la securitización nacional. Proponemos leer en las obras una estética que, desde su antagonismo, retomando a Bishop, exponen discusiones sociopolíticas urgentes y reivindican la vulnerabilidad como ejercicio de resistencia; sobre todo en los contextos migratorios contemporáneos que criminalizan y deshumanizan la libertad del movimiento.
Se trata de una reflexión sobre la fotografía como arte en la contemporaneidad. Traición, automatismo y error son herramientas críticas que elaboré para examinar la fotografía y ponerla en movimiento. El objetivo es desestabilizar ideas rígidas sobre representación para poder expandirla más allá de una descripción literal. La palabra traición problematiza la relación entre sujeto y representación. También posibilita el movimiento en la práctica y el pensamiento. La fotografía será tratada como un campo donde el deseo definirá el proceso de producción de la obra. El automatismo busca un momento de ruptura en la historia de la fotografía, analizando los procedimientos surrealistas. El error propone la errancia de los sentidos y el pensamiento como potencia para recrear el mundo.
El Museo Taminango, ubicado en Pasto, Nariño, Colombia, ha implementado un programa educativo innovador desde 2012, que no solo se ha adaptado, sino que ha prosperado bajo los desafíos impuestos por la pandemia de COVID-19. Este programa utiliza una combinación de herramientas didácticas analógicas y digitales que sirve como un modelo replicable para instituciones museales locales y regionales con presupuestos limitados, pues enfatiza en el diseño comunitario y en los métodos participativos. El presente artículo presenta la manera en que el museo ha utilizado las narrativas transmedia para enriquecer la experiencia educativa, posicionándolo como una entidad proactiva en la promoción y preservación del patrimonio cultural local. Este modelo destaca el papel fundamental del museo en fomentar la accesibilidad cultural, el compromiso comunitario sostenible y promover cambios en el sector museístico regional.
Este artículo reflexiona críticamente sobre el rol del acceso equitativo a la información en la construcción de ciudadanía y cohesión social, a partir del caso del observatorio de comunicación Miradas 609 en la región de Valparaíso, Chile. A través de un enfoque basado en la comunicación visual, la narrativa transmedia y la participación ciudadana, se analiza cómo el observatorio se convierte en una herramienta para democratizar el conocimiento, combatir la desinformación y fortalecer los vínculos comunitarios. El artículo combina evidencias empíricas con un análisis conceptual que articula los conceptos de transparencia, derecho a la información y empoderamiento social. Miradas 609 ha logrado visibilizar más de 200 marcas relevantes en la región, generar informes descargados más de 100 veces, y posicionarse como un nodo de conexión entre la academia, las industrias creativas y la ciudadanía. En este contexto, se propone que el diseño de estrategias comunicacionales, desde un enfoque transmedia, puede ampliar el impacto de este tipo de iniciativas, favoreciendo el desarrollo regional inclusivo.
This article functions as a panorama of the contemporary international documentary film market and as a case study with the participation of documentary filmmakers from Colombia and Pakistan, both components in relation to issues of representation in cinema. As a first step, we discuss instances of misrepresentation and Othering in historically renowned documentary films and renowned documentary filmmakers with the objective of discussing and exposing the imbalance between Western film historiography and the fairly invisible but ever-present non-Western opposing positions. The article then examines academic criticism on the role of hegemonic international film funds and festivals in perpetuating practices of misrepresentation and the affirmation of stereotypes in films from the Global South1. It discusses how dissident voices remain marginal due to the rules imposed by dominant film historiography. Finally, it compiles conversations with Colombian and Pakistani filmmakers analyzing the systematic biases they face, particularly how Western structures influence local practices, resulting in the simplification of narratives to meet market demands and the reinforcement of stereotypes that fit Western notions of “the other.” The study finds that many filmmakers feel compelled to conform to this framework to access funding and recognition. These conversations also reveal critical perspectives on the market’s dynamics and outline potential solutions that still require collective adoption.
El problema público que viven las sociedades posmodernas, en particular las juventudes y la niñez, es la transformación en sus hábitos de consumo informativo que impacta en el pensamiento crítico (Sartori, 1998). La infoxicación y la acelerada vida social en redes sociales requiere nuevas estrategias para lograr resultados de aprendizajes adecuados en hábitos educativos y de lectoría. Estudios recientes en Chile evidencian dificultades en la comprensión lectora de estudiantes junto con una falta de procesos estratégicos y motivacionales. Es en este panorama actual de la educación que se presentan oportunidades y desafíos en la aplicación de nuevos medios que permitan mejorar estos procesos. Pero, ¿será necesario idear nuevos medios para ello?, ¿y si volvemos a utilizar soportes que tanto impacto tuvieron en la educación en generaciones anteriores?, ¿y si utilizamos los álbumes de láminas como elemento educativo? El reimaginar artefactos como el álbum coleccionable puede tener un gran potencial de uso si lo llevamos a lo educativo. Su interacción y uso no solo ocurren en el espacio del individuo, también se expande a ámbitos de comunidades, en que los usuarios requieren de experiencias colaborativas y activas y que, en conjunto con distintas estrategias educativas, puede ser además un espacio de creación propia mediado por docentes y educadores.
El avance tecnológico, el ecosistema de la comunicación, la convergencia mediática y la cultura colaborativa han permitido que las experiencias de creación audiovisual puedan expandir sus alcances al público gracias a la participación de los públicos. Por ello, la trascendencia de las narrativas transmedia ha permitido dinamizar a la industria creativa y generadora de contenidos creando experiencias y productos mediáticos de interés en todo el mundo. Este estudio, de carácter cualitativo y exploratorio, revisa la implementación y desarrollo de narrativas transmedia en la zona centro-sur de Chile, específicamente, en la ciudad de Concepción, ubicada en la región del Biobío, donde estos trabajos están modificando el panorama cultural y mediático de la zona. Esta descripción recoge, por tanto, información de interés al tratarse de una primera revisión local de estas prácticas. Si bien la producción audiovisual se ha consolidado principalmente en la capital del país, en los últimos años, la creación de estas nuevas experiencias narrativas que han involucrado a las audiencias en el proceso ha ampliado las plataformas de difusión y ha fortalecido la identidad y la producción audiovisual cultural de la región.
