[abstract] The article examines recent transformations in audiovisual productions on fashion, marked by the emergence of sustainability and diversity as central themes, especially from the late 2010s and early 2020s onward. We argue that such productions ope-rate as mediators between identities and consumption, so that these new agendas reflect changes not only within the field of fashion but also in society at large. The research com-bined, on the one hand, an ethnographic dimension, through the viewing of these shows, and, on the other, a documentary survey and mapping of productions from pay television and streaming platforms, with the aim of analyzing these transformations in light of Pier-re Bourdieu's sociological notion of "lifestyle." We contend that these new themes should be understood relationally, as part of the broader discourse of diversity. We conclude that, although they question the rules and dynamics of the fashion field, the solutions associa-ted with sustainability and diversity emerge from within the field itself, simultaneously reproducing certain already consolidated logics while subverting others.
Stuart Hall's idea of "cultural maps" assumes that we inhabit a culture with-in which we share some amount of information and knowledge, even though belonging to communities and groups is complex and multifaceted. Certain cultural maps involving judgments about practices and products confer and/or deny value to producers, consumers, and owners. Olly's production offers us a cultural map of the networks that constituted values related to clothing, design, and art in the early second half of the 20th century. In this sense, I take a contextual approach, seeking to understand the symbolic and cultural meanings of the fabrics and clothes produced by the artist, based mainly on the documentation she accumulated and I organized between 2013 and 2018. To this end, the production of fabrics and clothes is not taken as separate from the forms of apprehension and places of consumption.
This text offers an analysis of the reception of the doctoral dissertation "A moda no s & eacute;culo XIX" ("Fashion in the Nineteenth Century") by Gilda de Mello e Souza at the time of its defense in 1950, examining the questions raised and the points discussed by the five examiners. Our source is the transcript of the defense, which, in our view, serves as a key to understanding the dominant sociological conceptions in the country at that moment and, in particular, how the discipline regarded fashion as an object of study. The reception of the book's 1987 edition and its subsequent critical trajectory are also addressed in the article, showing that the work remains vital and that the field of fashion studies in Brazil would be less interesting and less rich without it.
[abstract] The paper analyses the use of clothing in contemporary art, from twenti-eth-century textile art to clothing as a contemporary art form. The difference is that textile art retains clothing's functional and distinctive values, whereas contemporary Clothes-art erases any use values to produce meanings related to identity, culture, and memory. Clothes-art occupies a polysemic space that seems to unfold between two synthetic paradigms: the destruction or emptying of clothing, as exemplified by Christian Boltanski's gigantic 2010 installation Personnes, where empty clothing evokes the absence of the body; and the pro-duction and repair of the subject, as exemplified by Louise Bourgeois's 1990s work, which used clothing and tissue sculptures to reconstruct a new corporeal self and repair her auto-biography. This work anticipates Repairing Art, a contemporary practice with philosophical, political, and cultural implications that addresses collective memories of trauma, such as that caused by colonialism and war, as well as the theme of human survival on a dramatical-ly damaged planet. Against this theoretical backdrop, Clothes-art emerges as a significant contemporary practice of meaning production, questioning the relationship between art, experience, culture and individual and collective memory.
The COVID-19 pandemic generated new symbolic devices, among which the surgical mask stands out as both a protective object and a cultural sign. This article examines the transformation of the surgical mask within the fashion system along two main axes: bricolage, understood as a practice of creative recombination of materials, and connotation, understood as a system for producing supplementary meanings. Combining theoretical grounding with case analysis, the study investigates different forms of appro-priation of the surgical mask, both in improvised (unplanned) contexts and in professional fashion contexts. The findings reveal two distinct approaches: (1) a form of bricolage carried out outside the fashion system, centred on urgency and material availability; and (2) a planned form of bricolage performed by designers and brands, which reconfigures the mask as an aesthetic and communicational artefact. The second part of the article focuses on the connotative dimension of the mask as a sign, highlighting its semantic transformation when integrated into fashion, where it becomes an accessory and a symbolic vehicle for identity-based, ideological, and aesthetic discourses. Finally, the article explores the articulation between bricolage and connotation, showing how the mask moves beyond its functional purpose to become a complex sign that operates across health, style, consumption, and visual culture. The study contributes to the understanding of the symbolic re-signification of everyday objects in times of crisis, emphasizing the intersection of fashion, visual culture, and meaning-making. By analyzing a seemingly ordinary artefact that became a cultural sign, the article proposes a theoretical framework for understan-ding fashion as both a language and a social practice in times of change.
This article analyzes the appearance of various working women in Argentina throughout the twentieth century. It proposes an approach that, drawing on visual studies, fashion studies, and women's history, emphasizes how different groups of women who en-tered the labor market between 1920 and 1970 dressed, styled their hair, and wore makeup. Examining the appearance of factory workers, domestic servants, saleswomen, secretaries, and nurses provides a privileged avenue for accessing the subjectivities these women devel-oped as they entered this new world of paid labor outside the domestic sphere. Our aim is to complicate traditional readings produced within the social history of labor and women's history by shifting the focus to the ways in which working women dressed and presented themselves. The analysis of images and oral testimonies-gathered from interviews with different workers-centered on their practices of dress and adornment, allows us to capture instances of female agency that did not always conform to the heteropatriarchal patterns of domination imposed upon their bodies. Moreover, attending to these dimensions helps to better understand what entering the workplace, the possibility-or necessity-of dressing to appear in public, and access to consumer goods may have meant for many of them as unprecedented experiences of movement, visibility, and being in the world.
This article investigates the progressive decline of the French State's influen-ce within the Chambre Syndicale de la Haute Couture, the employers' union that regulates Haute Couture, and the growing prominence of entrepreneurs from luxury conglomerates within this organization. This shift is linked to the transformation of Haute Couture from a form of 'French fashion' to a 'fashion & agrave; la fran & ccedil;aise' at the turn of the 21st century. Drawing on Vincent Dub & eacute;-S & eacute;n & eacute;cal (2021), the article first shows how French state intervention established recognition criteria for maisons, consolidating Haute Couture as an authentically French practice. However, market globalization led to the acquisition of maisons by conglomerates and the integration of these entrepreneurs into the union, resulting in adaptations and redefinitions. Using Luc Boltanski and Arnaud Esquerre's (2020) theory of the economy of enrichment, Haute Couture is examined as a global and highly exclusive business, as also argued by Renato Ortiz (2019). At this stage, the reference to France persists, but it now evokes a 'fashion & agrave; la fran & ccedil;aise', a symbolically constructed nation, in Michel Nicolau Netto's (2021) terms, rather than a geographical space. The research is based on publications about the union, organizational archives, information from the offi-cial website, and fashion professional publications. Triangulating these materials made it possible to reconstruct the history of the union and develop the article's arguments.
This paper analyzes the implementation of the factory system in the European silk industry from the perspective of Science, Technology, and Society (STS) studies, with emphasis on the theoretical contributions of Andrew Feenberg. The aim is to unveil how technological and organizational choices in silk production reflected and reinfor-ced power relations, impacted labor and workers, and how Feenberg's concepts-such as instrumentalization, technical codes, formal bias, and operational autonomy-allow for a critical interpretation of these processes. The methodology involves a theoretical analysis applied to a historical case study, using bibliographic and documentary sources. The analysis demonstrates that the mechanization of silk, while boosting production, was guided by technical codes focused on control, standardization, and the reduction of labor costs. This orientation resulted in the de-skilling of artisans, the precarization of labor, and the loss of worker autonomy. Forms of worker resistance, although limited in their reach, are interpreted as a challenge to this rationality and as a demand for greater participation in technological decision-making. The article concludes that the case of the mechanized silk industry illustrates technology's ambivalence, highlighting the need to guide current and future technological development by democratic values.
Este artigo propõe a pensar as relações entre o bordado e a guerra, tendo como ponto de partida as próprias relações de gênero que permeiam o trabalho com os têxteis e o serviço militar. Se as artes aplicadas, notadamente o bordado, foram consideradas ao longo do tempo por muitas sociedades como um símbolo de feminilidade ideal, o militarismo foi um dos elementos responsáveis por ajudar a forjar uma ideia de masculinidade estereotipada. No entanto, nem tudo ocorre de acordo com as expectativas sociais de gênero. A ideia de que mulheres não se envolveram em guerras, ainda que frequentemente apagada pela historiografia, não se comprova. A distância absoluta entre os homens e as artes têxteis também não se sustenta. A partir de uma costura entre estes assuntos, este artigo passeia pela história do bordado, da arte e da guerra, analisando situações em que o bordado foi usado como arma de guerra pelas mulheres; em que homens militares usaram o bordado como forma de expressão para suas experiências de guerra; e em que artistas, questionando os horrores da guerra e da barbárie, usaram o bordado e a indumentária para criar obras de arte.
Este artigo propõe uma releitura crítica da obra de William Morris à luz da noção de apagamento têxtil, compreendida como a marginalização histórica dos saberes ligados às superfícies ornamentadas, aos ofícios manuais e às práticas visuais não hegemônicas, frequentemente associadas ao espaço doméstico, ao trabalho feminino e ao fazer cotidiano. A partir da análise de seus textos e padronagens, examina-se de que modo o autor tensiona as dicotomias historicamente construídas, como arte e utilidade, ornamento e estrutura, trabalho e expressão e propõe, por meio do ornamento, uma linguagem visual pautada pela repetição significativa, pelo gesto manual e pela inscrição simbólica da experiência. Sua crítica à industrialização não se limita à denúncia das condições materiais do trabalho, ela propõe outra forma de existência mais sensível, mais lenta, mais enraizada no tempo das coisas e na dignidade dos processos. Ao reposicionar o ornamento como pensamento visual e o fazer artesanal como prática estética e política, Morris antecipa discussões centrais do design contemporâneo de superfícies. Nesse contexto, conceitos como os propostos por Ada Schwartz, que compreendem a superfície como dimensão representacional, constitucional e relacional, permitem aprofundar a atualidade de seu pensamento. Argumenta-se que suas superfícies ainda falam: narram histórias, organizam o olhar e propõem formas de resistência ao apagamento sensível que atravessa o presente.
No presente texto, apresento o processo de criação da obra de dança “Esbravejação”, uma dança que acontece no encontro entre um corpo e um “vestível em fluxo”, composto por uma estrutura de cabeças plásticas. Considerando o processo, enquanto processualidade, a metodologia adotada é a da cartografia que, diferentemente do mapa, é um desenho dinâmico que vai acontecendo ao longo do caminhar, do pesquisar, em que interessam os movimentos, os fluxos, as mudanças, os encontros e as desestabilizações, que produzem a obra em sua vitalidade. Nesta caminhada, alguns autores são convidados a compor essa trama, tais como: Ingold e a proposta de trazer as coisas de volta à vida, compreendendo o fluxo vital a partir da relação entre materiais e forças e não entre matérias e formas; Suely Rolnik, que trata do corpo vibrátil, entendido como o exercício intensivo do sensível, dentre outros. Como cartógrafa-dançante, é por meio das pistas apresentadas nesta cartografia que retomo a proposta dos “vestíveis em fluxo” para refletir acerca das possíveis movências criativas, curativas e, também, artístico-pedagógicas, possibilitadas por essa prática na formação de artistas das artes ao vivo, assim como os futuros figurinistas no contexto contemporâneo das artes. Interessa, no texto, atualizar a prática “vestíveis em fluxo”, como uma das estratégias provocadoras de movências criativas e curativas, capazes de abrir os corpos para uma experiência porosa, dialógica e não hierárquica que se deixa comover pelas coisas do mundo em seus emaranhamentos vitais.
A evidência de impactos ambientais negativos ocasionados pelo setor de calçados tem levado à proposição e desenvolvimento de soluções projetuais que atendam às demandas existentes, com respostas que abordem o problema com ênfase na prevenção e na viabilidade de implementação. Estudos teóricos têm elevado as discussões conceituais; muitas vezes, porém, se distanciam de possibilidades concretas e contextualizadas de aplicação no sistema produtivo. Em busca de orientações objetivas e direcionadas à viabilização de práticas projetuais que enfatizem a sustentabilidade no setor calçadista, este estudo investigou, por meio de uma revisão sistemática da literatura, quais têm sido os principais balizadores deste percurso. Os resultados apontaram para: economia verde, regulamentações e políticas ambientais, design para sustentabilidade, ecodesign, avaliação do ciclo de vida, fechamento do ciclo de vida e seleção de materiais de baixo impacto ambiental. Tomando como base a proposição de Van Boeijen, Daalhuizen e Zijlstra (2020), os aspectos considerados pelos autores das publicações analisadas foram categorizados em perspectivas, abordagens/estratégias e métodos/ferramentas, para melhor entendimento do papel desempenhado por cada aspecto no processo projetual e para facilitar a identificação de eventuais correlações entre eles. Espera-se assim, facilitar futuras investigações e práticas sobre o design de calçados para a sustentabilidade.
Este artigo tem como objetivo analisar, no contexto contemporâneo, como a moda indígena tem sido afirmada por seus representantes como índices de territorialidade contra-colonial no Brasil. Como conceito é importante situar o que se entende por moda, a partir da sociedade moderna, e compreendê-la como fenômeno cultural que acompanha o desenvolvimento capitalista e a sua expansão colonial. O campo da moda contemporânea é compreendido como um espaço social em disputa, que admite discursos plurais acerca da aparência. Os agenciamentos de estilistas indígenas demarcam um território simbólico específico e oferecem uma narrativa contra-colonial na construção histórica do discurso da moda nacional. Privilegio uma leitura de direitos, analisados em perspectiva ampla, com enfoque na participação cidadã, civil e cultural indígena. Entendo fundamental atentar ao pensamento de autores indígenas, bem como à escuta crítica da epistemologia acadêmica. Como metodologia, proponho-me, ademais, a realizar uma revisão bibliográfica transdisciplinar, em diálogo com a moda, a geografia, a antropologia e a sociologia. Concluo sugerindo que a moda de autoria indígena é hoje ato de resistência e agenciamento de seus sujeitos e coletividades, possível apenas com o reconhecimento constitucional recente da capacidade civil plena de seus atores e de suas expressões como parte do patrimônio cultural brasileiro.
Este texto propõe uma discussão que perpassa vários aspectos da história da arte e da cultura material, tendo como objeto uma arca de enxoval do acervo do Museu do Ouro de Sabará, Minas Gerais, Brasil, datada do século XVIII, com a pintura de uma noiva na parte interna da tampa. Não se trata apenas de um problema para a história do retrato e da pintura sobre móveis no período colonial brasileiro, mas também, do significado de um objeto e do que supunha conter: um enxoval. Os diferentes sentidos do objeto, assim como sua função de armazenar tecidos destinados a um ritual, podem ser compreendi- dos no âmbito de uma cultura material matrimonial, mas também refletem a importância dada ao casamento e às condições impostas às mulheres naquele período.
O objetivo deste artigo é introduzir aspectos do que nomeamos como “texturalidade”, tomando como base a familiaridade etimológica entre as palavras tecido e texto, cujas origens remontam ao verbo latino texere. Para tanto, partimos de uma análise crítica dos argumentos do antropólogo britânico Tim Ingold (2022), em sua obra Linhas: uma breve história, para propor possíveis aproximações gestuais, históricas e estéticas que reatam a cisão entre as instâncias do têxtil e do texto. Esta costura se realiza, sobretudo, por meio do elemento visual-tátil, por vezes metafórico, da textura, considerando as evoluções tecnológicas e os tensionamentos de gênero das performances de tessitura, leitura e escrita no âmbito do Ocidente.
