通识艺术教育着眼于提高全体学生的艺术修养和人文素质,在高等教育中扮演着重要作用.多数国内高校都开设了"音乐鉴赏""美术鉴赏"等赏析类课程,而此类课程在课堂上无高质量互动、学生只能做听众的状况被诟病已久.部分高校结合自身条件,开设了学生参与性更强的器乐实践类课程,然而器乐学习不仅对教学条件要求高,还要求学生保持多年高频率练习才可能达到一定的演奏水平,因此持续时间较短的通识器乐课程教学成果往往不甚理想.作者基于自身的教学现状和过往的教学尝试,总结了一些经验和教训,并针对以上问题提出了一些解决思路,旨在促进非艺术类高校通识器乐教育更好发展.
随着音乐教育的不断进步,钢琴教材与教具的设计和应用日益受到重视,本研究探索了钢琴教育教材和教具设计的有效策略,目的是提高钢琴的教学效果,增强学生的学习体验.通过分析当前教材在内容选择、结构布局以及教具电子化、可视化方面的特点与现状,得出钢琴教学应注重理论与实践的结合,对教具进行灵活运用,在此基础上实施个性化教学,最终为学生创造一种高效、有趣的学习体验,使他们能够在充满乐趣的环境中学习并掌握钢琴技能.
山西晋南花鼓是国家级非物质文化遗产之一,是黄河流域鼓舞文化的瑰宝.近年来,国家陆续出台了一系列中华优秀传统文化的保护政策,特别加大了对民间文学艺术的扶持力度,这也对山西晋南花鼓的教育教学提出紧迫的要求.在新文科建设的大背景下,山西晋南花鼓的教育改革势在必行,本文基于花鼓教学实践,从教材编制、人才培养和学科交叉三个方面阐述了花鼓教育改革的具体措施及方法,旨在优化晋南花鼓教学实践,推动晋南花鼓的学科发展.
在当今高校音乐教学中,教师以传统方式对学生进行讲授,难以调动学生的学习兴趣和积极性,致使课堂效率与质量受到影响.通过奥尔夫音乐教学法与视唱练耳教学的结合应用,学生在实践过程中可以形成音乐鉴赏和表达能力,提高其专业技能水平和学习积极性.据此,本文以奥尔夫音乐教育理念为出发点,阐述了奥尔夫教学法加入高校视唱练耳课程的重要性,并分析当前高校视唱练耳课程面临的问题,最后提出新时代高校视唱练耳课程教学中节奏训练的内容和方法,希望为今后奥尔夫教学法在音乐节奏训练中的应用研究提供新思路.
随着时代的发展和社会的进步,我国的音乐事业也获得突飞猛进的发展.尤其是在声乐演唱环节,声乐艺术指导起着至关重要的作用.对演唱内涵的深化、演唱方式的提示、演唱情绪的引入等方面产生重要的影响,将乐曲的情感与内涵淋漓尽致地展现,充分体现出音乐的魅力.基于此,本文通过对声乐艺术指导在声乐演唱中的重要性以及价值分析,进而提出了声乐艺术指导的发展途径,旨在为从事相关音乐专业的人士提供参考.
在党和国家要求加强和改进新时代学校美育工作背景下,人和街小学坚持把美育教育作为立德树人的重要载体,通过和美课程——和而生美、和声课堂——以和培美、和力评价——和中蕴美的"三和"教育模式的建构,推进美育创新.以提高学生审美素养和能力为目标,聚焦"和声课堂"教学改革,开设包含国家课程、校本化社团课程和活动课程、校外比赛课程的"四维一体"课程,实施融合多元的素质测评,实现以和育美,引导孩子在聆音鉴美过程中形成和美特质.学校被评为全国非遗与课程融合创建工程示范校、重庆市艺术教育示范校,连续开展 9 年参与人数为 3 000 余人的全校性迎新春艺术综合实践活动,学生获全市最高综合性荣誉"振兴重庆争光贡献奖"."三和"教育模式的建构,以和育美的实践探究最终达成促进学生健康发展的育人目标.
本文以文化自信的视角,探讨内蒙古民族声乐艺术的继承与发展.首先分析了内蒙古民族声乐的文化性,并对不同时期进行了具体的文化性体现的阐述,包括原始时期、古歌时期、封建社会时期以及近现代时期.接着探讨了当代内蒙古民族声乐艺术的继承与发展,包括少数民族音乐的借鉴、民间戏曲音乐的吸收、原生态民歌的融入以及西方音乐元素的引进.通过这些探讨,展示内蒙古民族声乐艺术在文化自信的背景下所取得的进步.
声乐伴奏与钢琴伴奏是音乐领域中两种不同的伴奏形式,它们在演奏技巧、音乐表达、声音配合等方面存在明显差异.本文通过比较声乐伴奏和钢琴伴奏的差异性,旨在帮助读者更好地理解这两种伴奏形式的独特之处.
初中音乐欣赏课教学改革不能一蹴而就,需契合新课改培养音乐兴趣、理解多元音乐文化的思想等要求,明确区分音乐鉴赏和听音乐,利用"互联网+教育"的优势,让学生在欣赏课上获取丰富的音乐情感体验,深入体会音乐艺术的魅力.
在新课程改革背景下,将戏剧元素融入初中音乐教学能够丰富教学内容,让音乐课充满乐趣.基于此,本文以促进初中音乐课程改革为目的,采取案例分析等方法对以戏剧元素丰富初中音乐教学的策略进行研究,并提出以下参考建议:重视教学指导,以戏剧元素丰富音乐欣赏教学;加强教学设计,以戏剧元素丰富音乐表现教学;推动教学创新,以戏剧元素丰富音乐创造教学;做好教学指导,以戏剧元素丰富音乐联系教学.
随着社会发展和人们对素质教育需求的增加,小学音乐器乐教育逐渐受到重视.然而,在传统教育模式下,小学音乐器乐教学往往存在单一、枯燥等问题.因此,本文将探讨如何基于融学课堂来改善小学音乐器乐教育,探索创新性的器乐教学方法,提高学生的综合素质.
笔者近期通过对斯特拉文斯基新古典主义时期作品的研究以及研读斯特拉文斯基《音乐诗学六讲》一书,发现他在新古典主义时期作品中的调性安排常使用"调性轴",这一分析理论引发了笔者对其作品探索的兴趣.故笔者以调性轴理论对斯特拉文斯基新古典主义时期重要作品之一《诗篇交响曲》中的调性运动展开分析与讨论.本文共分为"对调性轴理论的选择以及何为调性轴"与"斯特拉文斯基的调性轴在其作品中的运用"两大部分进行阐述.
《罗作与山歌》是张朝先生结合云南民族音乐元素所创作的一部钢琴组曲.该作品以云南省玉溪市元江哈尼族彝族傣族自治县洼垤乡、云南省红河哈尼族彝族自治州红河南岸区域的舞蹈音乐为元素进行创作,并具有云南省红河哈尼族彝族自治州红河北岸区域声乐体裁"海菜腔"的韵味.这部作品吸收了传统民族音乐文化,并具有十分严密的创作逻辑性,使钢琴音乐具有明显的民族性风格特征.
在当前信息化时代背景下,将网络教学与课堂教学相结合,是教育事业发展的必然趋势,也是进一步提高教师信息素质,推动信息技术与教育教学融合创新发展的重要途径.本文主要对小学音乐教学中网络教学与课堂教学相结合的必要性进行分析,指出线上、线下两种教学相结合的音乐教育教学模式所面临的困境,并提出相应的解决对策.希望通过优势互补,实现网络教学与课程教学的深度融合,促进小学音乐教学水平的逐步提高.
时代在进步,如今城乡差距逐渐缩小,农村中小学的教育设施也在更新换代,同时音乐教学也一直在发展.基于此,教师无论是在课堂的授课模式上,还是基本技能上,甚至是角色定位上,都需要进行创新和升级.教师要紧跟时代步伐,终身学习,积极进行教学创新.
中国民族民间舞的创作相较于其他舞种而言,它更要遵循其体系,其在动作、音乐、题材上会有一定的局限性.然而也正是因为这些局限与"遵循"使其有了"独特性",能够从民间生活中搬到舞台上,成为舞台艺术,成为中国舞蹈文化的代表.在民族属性、风格特点、动律特征、体态特征、民俗习惯、风土人情等基础上加以编创,体现了中国民族民间舞蹈的独特性.正是因为中国民族民间舞蹈创作有了这些"局限性",所以它才有了"独特性".因此,创作中的"局限性"在一定的情况下可以转化为"独特性",它们是可以相互存在的.民族民间舞蹈具有风格性与独特性,地域的不同导致风格的不同.舞蹈编导对其进行学习与体验后进行创作与加工,抓住民族文化的特性,充分地展现当地的民俗文化、生活习性,又将当地舞蹈的风格特点、动律特点、性格特点融入在作品之中.我们既要在创作上打破局限性,不断创新,也要运用舞蹈的"局限性"来进行创作创编,所以抓住各民族的独特性,是民族民间舞蹈创作的本质.
《春江花月夜》是中国古典文学中的名篇,也是中国古典音乐中的经典.如何将经典融入高校美育资源,真正呈现艺术经典的当代价值?本文提出结合音乐文化的内涵及当代大学生的特质研究,开设以审美和人文素养培养为核心的美育课程、探索以学生为主体的美育课堂、拓展高校美育的立体化路径等策略,用热爱和智慧搭建教学文本与学生自身生活之间的桥梁,在传承与创造之间不断获得新的生命.
本文重点梳理英国作曲家约翰·塔文纳的创作历程,从早、中、晚三个时期选择代表性作品展开详细论述.国内对这位作曲家关注较少,并将其创作风格归纳为"神圣简约主义",但塔文纳音乐作品的风格和意义并非仅限于此.通过梳理和分析其创作历程,本文意在呈现塔文纳音乐创作倾向的三个转向:现代—传统—精神,由此理解其音乐与精神世界的关系,更深入地挖掘他音乐创作的意义和内涵.
在中华民族伟大复兴战略全局和世界百年未有之大变局的时代背景下,加强民族高校音乐课程中的"红色资源"教育,能够激发学生的爱国主义情怀,有利于培养学生的家国情怀,加强中华文化的传承.本文以中国近现代音乐史课程为例,分析了在高校音乐教育中融入"红色资源"教育的必要性和可行性,探讨了这一教育的新路径,为学生的思想政治教育提供理论依据和实践指导.
