La violencia es un de las principales expectativas narrativas, argumentativas y técnicas de los documentales de historia natural. Tradicionalmente asociada al espectáculo y el entretenimiento en conexión con las relaciones entre depredadores y presas en la cadena trófica, la violencia en esta forma cinematográfica opera a menudo como herramienta de apropiación de conocimiento en términos de implicación emocional de la audiencia con la construcción de modelos y modos de organización social. “El rodeo de los chigüires” (1974), cuarto capítulo de la serie de televisión de Félix Rodríguez de la Fuente (1928-1980) El hombre y la Tierra (1974-1981), a través de una subversión involuntaria de estas expectativas, pone de manifiesto características, contradicciones y algunos matices esenciales relacionados con la violencia como convención narrativa y como espectáculo en los documentales de historia natural.
Killing and exploiting animals requires processes of rationalisation to justify, deny, or minimise the moral consequences of these violent behaviors. These psychosocial and symbolic processes rest on speciesist ideology, which is transmitted in a practical way through everyday schemas of socialisation, which normalise the instrumentalisation and objectification of non-human animals. This article seeks to study how speciesist ideology operates in the daily life of those whose labor participates in the direct exploitation of animals and, thus, to analyse the rationalisation processes that sustain these speciesist practices. To this end, eleven in-depth interviews with slaughterers, bullfighters and cockfighters are analysed through thematic analysis. We describe the narratives and practices of these men in relation to their jobs, the socialisation and practical transmission processes that result in the normalisation of their attitudes and violent behaviors towards animals. Among the processes described are the denial of animal sentience, and the construction of stereotypes, such as the “fine fighting rooster”, the “brave fighting bull” or the “cow destined for consumption”, which enable the oppression of these animals to be naturalised.
El horizonte del presente artículo es reflexionar sobre el papel del arte como dispositivo de articulación social y de disputa de los significados hegemónicos en momentos de movilización política. Para ello, estructuramos la investigación en tres ejes: primero delimitamos, de manera interrelacionada, los presupuestos teóricos que va a vehicular el estudio: “autoridad cultural”, “comunidad epistémica” y “pueblo creativo”. Tras ello, rescatamos algunas prácticas artísticas que irrumpieron en el contexto español entre los años 70 y 90 para responder de forma crítica a las políticas de control biopolítico que estabilizó el régimen franquista y más tarde reificó el primer gobierno “democrático” con el fin de sostener el engranaje de la globalización financiera. Para finalizar, y en estricta relación con este último eje, analizamos la elaboración, presencia y uso del discurso poético y artístico en las últimas manifestaciones provivienda. Con todo, este trabajo pretende ofrecer una respuesta articulada a la pregunta por la politización del arte a comienzos del siglo XXI.
En el presente artículo se exploran las novelas Un amor, de Sara Mesa, La perra, de Pilar Quintana, y “Felina”, de Guadalupe Nettel, tres narraciones que describen la vida de mujeres solas o aisladas de la sociedad por diversos motivos, sumergidas en espacios privados donde cohabitan con animales. Tanto los personajes humanos femeninos como los personajes animales viven en un contexto de violencia que se expresa a través de diferentes hechos de abuso físico o de poder. En estos tres casos los animales buscan su independencia —o incluso su libertad— de las humanas, luchan por evitar convertirse en mascotas dependientes de un dueño o amo. Los diferentes binomios que emergen en estas relaciones —de hibridación o dualidad— serán estudiados en distintos momentos de estos vínculos complejos.
Gorria (Maddi Barber, 2020) is a short documentary about extensive, pasture-based sheep farming in Navarra, northern Spain. In the film, animals are depicted in their full corporeality, through facial close-ups, shots portraying their whole bodies, and general views of their lives and deaths in the farm. In contrast, humans are mostly shown metonymically, via images of their hands engaging in different forms of labor, like washing, milking or shedding. Through an engagement with animal studies, ecocriticism and theories of embodied cinematic spectatorship, this paper argues that ethical and affective contradictions shape the documentary's portrayal of human-animal relations, and of the countryside. Gorria explicitly insists on the violence that farm animals are subjected to, while foregrounding the practices of care that these farmers develop for the sheep. The abundance of haptic images, and of hands caressing or manipulating the animals, leads me to problematize the possibility of ethical fusion in cinema viewing, and to show how Gorria inhabits a constant tension between proximity and distance, one that foregrounds responsibility. I conclude that Gorria's affective complexity, enhanced by the film's poetic structure and the relevance of the off-screen, proposes a view of Spanish rural spaces as neither pastoral nor desolate, but as crucial places from which to rethink animal and environmental questions.
El presente artículo tiene por objetivo analizar la obra Ñi pu tremen, mis antepasados (2009), escrita y dirigida por Paula González Seguel, la cual forma parte del auge significativo de producciones teatrales de temática mapuche en el siglo XXI, reflejando la emergencia indígena en las artes escénicas. A través del estudio de su dramaturgia, y con referencia a su escenificación, se busca identificar cómo las violencias y discriminación vivida por mujeres mapuche que migraron desde sus territorios hacia las ciudades se hacen presentes, exponiendo las tensiones entre su identidad cultural y la marginalización en el contexto urbano. En particular, se profundiza en el impacto de las distintas olas migratorias a través del testimonio de las protagonistas de Ñi pu tremen, abordando cómo esta migración revela un recorrido que va desde la discriminación, marginación y vergüenza inicial hacia una etapa de invisibilización de sus costumbres e identidades, para, finalmente, reivindicar su cultura. Los testimonios ponen en escena las violencias simbólicas y materiales, así como la discriminación que enfrentan las mujeres indígenas, al tiempo que reivindica su resistencia y agencia en la sociedad contemporánea.
Este artículo propone la lectura crítica de la ficción distópica como espacio para analizar las formas contemporáneas de violencia climática y violencia animal, situándolas como elementos centrales para repensar el horizonte educativo en tiempos de colapso planetario. A partir del análisis de La parábola del sembrador de Octavia Butler, Night of the Animals de Bill Broun, El mundo sumergido de J.G. Ballard, Lágrimas en la lluvia de Rosa Montero y La infancia del mundo de Michel Nieva, se examina cómo estas obras configuran imaginarios donde la devastación ecológica y la explotación especista no son solo contextos narrativos, sino también dispositivos pedagógicos que permiten explorar especulativamente modos de subjetivación posthumanos. A través de un análisis crítico y materialista, se argumenta que dichas narrativas activan formas pedagógicas basadas en la experiencia del dolor compartido, la exposición a lo no-humano y la convivencia en la realidad del colapso. El artículo defiende la urgencia de repensar la realidad más allá de la sostenibilidad o el solucionismo, proponiendo una pedagogía del colapso que asuma las violencias planetarias como condiciones materiales que interpelan a la tarea educativa y la existencia en amplio sentido. Finalmente, se sugieren líneas especulativas para una educación y una existencia no-antropocéntrica en tiempos de colapso.
Este artículo analiza la novela Patas de perro (1968) de Carlos Droguett con una perspectiva interdisciplinar, desde el estudio de los afectos y los estudios críticos animales. El objetivo es examinar la respuesta a la violencia ejercida sobre el niño con patas de perro que propone el libro. El estar en común entre Carlos y Bobi es el espacio fundante de un nuevo tipo de vínculo o un proyecto relacional utópico que incluye lo animal. Los cuidados del narrador, y luego de Bobi hacia los perros, funcionan en el relato como garantes de la redistribución del valor de lo humano y lo animal, además de la reorganización de las jerarquías establecidas. En definitiva, la novela nos muestra el camino de formación del protagonista como animal sintiente que, al preocuparse por otros seres vulnerables, desordena la distribución y valor de los cuerpos mediante su protección y cuidado.
¿A qué nos enfrenta una obra literaria centrada en la violencia hacia un perro? En este texto propongo una serie de respuestas o intuiciones a esa pregunta, sobre todo a partir de la lectura de Zumbido (2010), primera novela publicada por el colombiano Juan Cárdenas (1978-). Para hacerlo, para desvelar los mecanismos y discursos que operan detrás de la violencia hacia el perro en la novela, me apoyaré en los principales postulados de los estudios animales y el poshumanismo al respecto, con especial interés en las cuestiones del sufrimiento y vulnerabilidad en los animales no-humanos. Con ello, espero aportar una lectura crítica y animalista de la novela de Cárdenas, en el que la violencia sobre el perro puede dar lugar a dos posturas opuestas: la instrumentalización especista de un animal o la posibilidad de un diálogo multiespecie que de cabida a devenires-otros.
Durante la segunda mitad del siglo XX, la narrativa oral del mundo campesino empezó a desvanecerse. Una de las causas principales fueron los grandes éxodos agrícolas, que vaciaron las aldeas y cortaron de raíz muchas costumbres labriegas. Este proceso fue aún peor en el Estado español, pues dicha diáspora se produjo en plena dictadura. El régimen de Franco atacó de lleno a la antigua narrativa hablada del campo, a la que consideraba un escollo para su proyecto de modernización capitalista, así como para la imposición del castellano como única lengua oficial. Los años siguientes a esta crisis coincidieron con un boom de la literatura infantil y juvenil, multiplicándose el número de editoriales y de títulos enfocados a la infancia y adolescencia. El presente artículo quiere explorar las posibles interconexiones entre ambos fenómenos, sugiriendo una relación entre esta avalancha de libros y la pérdida de la antigua oralidad. A través de una perspectiva autoetnográfica y del estudio de un caso concreto, el cuento El amigo que vino del mar (1989), de Mariano Vara, las páginas siguientes indagan hasta qué punto los y las emigrantes fueron capaces de apropiarse de dichos relatos, proyectando en ellos sus miedos, anhelos y deseos.
Este artículo examina una selección de reelaboraciones contemporáneas de Caperucita Roja desde el paradigma científico de los estudios de animales. Dichas obras (libros infantiles, álbumes ilustrados, cómics y piezas teatrales), firmadas por escritores o dibujantes españoles o latinoamericanos, han sido elegidas por su valor para una crítica animalista y ecologista, con puntuales derivaciones veganas. De conformidad con un encuadre comparativo, iré deslindando resonancias temáticas latentes (la impronta de los santos domesticadores de fieras, del bucolismo pastoril, de los vergeles paradisíacos, etcétera) y viejos mecanismos y tópicos literarios (el mundo del revés, el antropomorfismo, la multiplicidad de enfoques…) que posibilitan la redención del lobo en estas narrativas. Estas reescrituras fomentan la empatía hacia su especie, se oponen a su exterminio, y, en casos determinados, abogan con firmeza por su conservación, inculcan ideales ambientalistas a la infancia y promueven las dietas vegetarianas, el cuidado de la fauna silvestre y doméstica, así como la protección de la naturaleza.
Orxata Sound System fue un colectivo musical valenciano activo entre 2003 y 2014, cuya propuesta combinaba experimentación sonora con un fuerte compromiso sociopolítico. Su estética resignificó los referentes culturales del valencianismo mediante una fusión de elementos locales y globales. Este estudio analiza su trayectoria desde la perspectiva del arte operacional, un marco teórico que permite interpretar la coherencia entre ideología, organización y estética. El análisis se centra en el vínculo entre el colectivo y el movimiento 15M, destacando su papel en la promoción de ideas sobre copyleft, ciberactivismo y autogestión. Se examina el modo en el que su enfoque artístico y organizativo funcionó como un laboratorio de experimentación política y cultural. Mediante entrevistas, análisis pragmaestilístico de sus letras y el estudio de sus estrategias de movilización, se demuestra que sus acciones respondían a dinámicas propias del arte operacional, articulando tácticas, estrategias y un alto grado de adaptabilidad. Además, se argumenta que Orxata contribuyó a la diversificación estilística y temática de la cançó en valencià, logrando una gran popularidad a pesar de su discurso radical y de su experimentación estética vanguardista. En este sentido, el colectivo representó un caso paradigmático de interacción entre arte y sociedad en el contexto del 15M.
Este artículo propone analizar libro La mujer gallina (2016) de la poeta chilena Karo Castro, el que ficcionaliza la voz de Corina Lemunao —apodada por la prensa local “la mujer gallina”—, una mujer que fue hallada en 1992 tras pasar gran parte de su vida encerrada en un gallinero en Lonquimay. A partir de su historia, Castro escribe un poemario en que la voz de Lemunao reniega de lo humano a partir de su feralidad, la que la vincula con las narrativas occidentales sobre niños salvajes criados por animales. A través de una lectura zoopoética en diálogo con los estudios críticos y literarios animales, este artículo propone que La mujer gallina despliega un pensamiento poético que busca formas de resistencia al lenguaje humano a través del gesto de tender hacia la gallina y de reivindicar su alteridad frente al orden antropocéntrico y de la excepcionalidad humana. La hibridez construida por la voz poética articulada por Castro le permite enunciarse desde su lugar intersticial a la diferencia entre humano y animal, que revela el orden de la violencia presente en la sociedad chilena, además de buscar posibilidades de trascendencia a través del vínculo con las aves.
Traducción del artículo "Introducing Critical Animal Studies", publicado originalmente en inglés en Journal for Critical Animal Studies, vol. 5, n.º 1, 2007.
Este artículo examina el papel transformador del arte en contextos de violencia y represión estatal en Perú, de manera similar a lo que ocurre en otros países de América Latina. Con un enfoque crítico, se investiga cómo las prácticas artísticas subvierten las narrativas oficiales y articulan discursos de resistencia que denuncian desigualdades históricas y tensiones heredadas de procesos de colonialismo y exclusión. El estudio se centra en tres manifestaciones culturales: la canción de protesta “Esta democracia ya no es democracia”, que emergió durante las movilizaciones contra el gobierno de Dina Boluarte en 2022 y 2023; la escultura La descarada de César Aguilar, que, mediante simbolismos visuales, critica el poder estatal y sus estructuras jerárquicas; y la bandera blanquinegra, alteración del emblema patrio que resignifica el duelo y la protesta ante la represión. Mediante la integración de metodologías como el Análisis Crítico del Discurso, el análisis iconográfico y el enfoque multimodal, se desentrañan los mecanismos que permiten a estos símbolos transformar el dolor y la desigualdad en herramientas de denuncia y empoderamiento. Los hallazgos evidencian que el arte, al articular nuevos imaginarios sociales, genera espacios de resistencia y propicia procesos de cambio político y social en la región.
Este artículo analiza cómo el arte colombiano contemporáneo representa la violencia del conflicto armado a través de animales y plantas, configurando una “ecología del duelo” que expande la memoria histórica más allá de lo humano. A partir de un corpus de obras producidas en las últimas dos décadas, se examinan tres dimensiones: la representación de animales como víctimas y testigos; la inscripción de la barbarie en árboles y paisajes; y el umbral humano/animal en la guerra. Mediante un enfoque interpretativo situado que articula estudios críticos animales, ecofeminismo y ontologías relacionales, se argumenta que estas obras no solo denuncian el daño ecosocial, sino que proponen un duelo multiespecies y un humanismo descentrado, contribuyendo a imaginar una reconciliación que incluya a los seres no humanos afectados por la guerra.
La narrativa en español de los últimos años ha revelado un creciente interés por imbricar la cuestión animal con las demandas de los feminismos interseccionales. Así, diversas obras se han hecho eco de los puntos de unión entre los estudios críticos animales y corrientes como el ecofeminismo, mediante la representación de una serie de tramas, personajes y conflictos que interrogan dicho marco teórico. En este caso, ahondamos específicamente en la categoría de "la perra", un concepto con frecuencia sometido a procesos de resignificación y de reapropiación por parte de sectores feministas. Para el estudio de sus usos en las ficciones contemporáneas en español, se ha seleccionado un corpus de seis novelas, a través de las cuales se elabora un trazado de correspondencias estructurales y temáticas que se prestan al estudio comparativo: La perra (2017), de Pilar Quintana, Limpia (2023), de Alia Trabucco, El cielo de la selva (2023), de Elaine Vilar Madruga, Troika (2024) de Isabel Zapata, Casi perra (2023), de Leila Sucari y El celo (2024), de Sabina Urraca. Sostenemos que estas obras componen un corpus inicial sobre el que cartografiar una línea de estudio con amplio potencial.
Entrevista dialogada por escrito con David Bingong, griot, actor y director de teatro y audiovisual, por el documental Les voyageurs.
