El Tesoro de la lengua castellana o española de Covarrubias (1611) está presente en el generalmente conocido como Diccionario de autoridades (1726–1739) en forma de numerosas etimologías y elementos léxicos de uso restringido adoptados por los fundadores de la Real Academia Española, así como en calidad de autoridad idiomática, según se ha puesto de relieve en diversos estudios que se centran en el examen de los artículos en los que Covarrubias es citado explícitamente. En el presente trabajo se amplía el análisis a los demás artículos, y se demuestra que el Tesoro influyó de forma decisiva también en el elemento central de la microestructura del diccionario académico: la descripción semántica. En efecto, cerca de la mitad de las definiciones aprovechables contenidas en el Tesoro aparecen reutilizadas al menos parcialmente en Autoridades , y en algunos casos la coincidencia incluso es total. Se describe el proceso de reelaboración de las definiciones que requerían una adaptación y se diferencian distintos tipos de modificaciones introducidas. La conclusión que se extrae de todo lo observado es que la deuda de la Academia con Covarrubias es aún considerablemente mayor de lo que hasta ahora se sabía.
Rubén Darío fija en Los raros (primera publicación en 1896; segunda edición aumentada en 1905) explícitamente sus preferencias estéticas en una cartografía literaria mundial que corresponde sobre todo a autores franceses del siglo diecinueve. El presente artículo se concentra, primeramente, en las estrategias de presencialización de la cultura literaria francesa del siglo diecinueve desplegadas en Los raros , brindando particular atención al valor que Darío atribuye en su pensamiento poético a un corpus específico de literatos franceses canónicos. En segundo lugar, y a partir del aspecto anterior, se sondea cómo estas articulaciones y apropiaciones se inscriben en el deseo de Darío de formar parte de un canon literario mundial y de convertirse en un autor universal.
Este artículo se centra en el análisis de Cómo ha de usarse del bien y ha de prevenirse el mal , una comedia del Siglo de Oro tradicionalmente conocida como Los Guzmanes de Toral . Según la opinión generalizada entre la crítica, esta obra retrata al modelo perfecto de valido: honesto, humilde y generoso. No obstante, algunos investigadores también han sugerido tímidamente que existe un elemento satírico en la obra. Este artículo explora más ampliamente esa última línea de investigación y desarrolla el argumento según el cual Payo de Guzmán, el protagonista de la comedia, es en realidad un personaje maquiavélico que actúa con hipocresía para alcanzar sus fines personales. Este argumento se pone en relación, a su vez, con la intención crítica del autor del texto durante los años de privanza del duque de Lerma. This article was published open access under a CC BY-ND licence: https://creativecommons.org/licenses/by-nd/4.0/ .
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Consagrado por el Volksgeist (el espíritu del pueblo) europeo como una expresión esencial de la cultura española, el romancero es pronto objeto de análisis en la prensa francesa. A partir de las primeras traducciones en francés, en rezago respecto a otras lenguas, de las compilaciones españolas y extranjeras, las antologías contemporáneas y las evaluaciones de las historias literarias que ejemplificaban sus juicios con pasajes traducidos, los primeros hispanisants de las redacciones periodísticas dan cabida al comentario de composiciones y ciclos, acompañado de sus traducciones. Atendiendo a la recepción crítica del romancero y a su difusión creciente entre el lectorado francés de la primera mitad del siglo XIX, este estudio se propone analizar el panorama diacrónico de valoraciones, poco tratado dentro de este ámbito vulgarizador, a través de revistas representativas (la Revue des Deux Mondes , la Revue de Paris , La Péninsule y la Revue Espagnole et Portugaise ). El examen cronológico de sus artículos, leídos a menudo fuera de sus fronteras, en un período de apertura hacia otras culturas, de redefinición del canon literario francés y del naciente comparatismo institutionalizado en las cátedras de literaturas extranjeras, permite observar el arraigo de nuevos valores literarios e ideológicos, y su proyección sobre este ejemplo revalorizado del carácter nacional español. This article was published open access under a CC BY-NC-ND licence: https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/ .
Aunque el teatro amateur ha sido en gran medida ignorado por la crítica académica, recientes estudios han destacado su relevancia en el ecosistema teatral. Este artículo se enmarca en esta línea de investigación y tiene como objetivo explicar la influencia que tuvieron los montajes del Siglo de Oro realizados por la Cambridge University Spanish Society en el panorama teatral universitario británico después de la Primera Guerra Mundial. A partir del análisis del archivo de la asociación, hasta ahora inexplorado, demostramos la importancia de su compañía teatral y su grupo de lectura dramática en el establecimiento de una tradición de puesta en escena del repertorio áureo. Según desarrollamos, las producciones del centro cantabrigense no pasaron desapercibidas para los amantes del teatro, entre quienes también se encontraban españoles republicanos exiliados en Inglaterra. Estos, inspirados por el modelo de Cambridge, se unieron a la difusión de este patrimonio en el ámbito universitario británico. This article was published open access under a CC BY licence: https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/ .
El artículo indaga en la historia, morfología y razones de tres proyectos arquitectónicos para Teatro Nacional de obras dramáticas en España, todos en Madrid: el Teatro Español de 1849, el Gran Teatro Nacional de 1864 y un nuevo Teatro Español de 1881. Para ello, se realiza una búsqueda documental en diversos archivos y hemerotecas, a partir de la cual se identifican datos sobre los procesos de formación de estas arquitecturas y se aportan testimonios de importancia. A modo de conclusión, el artículo determina la forma arquitectónica, mediante la reconstitución y restitución gráfica de los teatros mencionados presentándolos en un paralelo gráfico comparativo. This article was published open access under a CC BY-NC-ND licence: https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/ .
Este artículo supone una primera aproximación a la recepción del Romancero en la España del siglo XIX y a los problemas que surgen en esta época y que explican los debates y polémicas en cuanto a su papel en la literatura nacional, y su valor. Sirve de marco previo al estudio de la divulgación de textos e ideas sobre el género en la prensa europea y española del Ochocientos. Trato de aclarar el camino del Romancero desde la Edad Media hasta el siglo XVIII: qué se entiende por romance en función de su autoría, su origen, su transmisión, cómo se difunde en cada época y a qué confusiones da lugar esta compleja historia. Intento comprender los cauces de conocimiento del romance durante el Ochocientos, que moldean la imagen que los literatos e hispanistas tienen de él: cómo se percibe el romancero de transmisión oral en este siglo a la luz de las sucesivas recolecciones; cómo se recibe el romancero anterior de transmisión impresa de forma equivocada, y se mezclan romances medievales tradicionales con romances áureos artísticos; y cómo el conocimiento de unos y otros romances según las fuentes disponibles moldea la idea y valoración que se tiene del Romancero , desde Manuel José Quintana a Agustín Durán. This article was published open access under a CC BY-NC-ND licence: https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/ .
La década de 1840 estableció en Portugal la idea, ya madura, de que la ‘poesía popular’ tendría un papel clave en la implantación de la revolución romántica en el país. En este sentido, es imprescindible mencionar al escritor Almeida Garrett (1799–1854), un intelectual exiliado en Inglaterra durante los años 1820. Desde allí importó a Portugal ideas innovadoras, que trató de difundir por diferentes medios. Anclado en sus primeros trabajos como periodista, pronto reconoció el poder de la prensa con respecto a la formación de audiencias. Por esta razón, se dirigió a su público tanto a través de la publicación en la prensa tanto de textos teóricos literarios como de sus propias baladas. Con esa premisa, en este artículo hacemos hincapié en los estudios y baladas divulgados en las principales publicaciones periódicas portuguesas de su época, como A Ilustração y Revista Universal Lisbonense , lo cual se enlaza uno de los objetivos de este monográfico. De este modo, no sólo se identifica y analiza el repertorio textual, sino que se valoran las razones por las que se eligieron los textos, así como el impacto que esta forma de actuar produjo en el panorama del Primer Romanticismo portugués. This article was published open access under a CC BY-NC-ND licence: https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/ .
En 1824, la Edinburgh Review mostró un interés inusitado por la literatura española al publicar dos artículos del abogado escocés, George Moir, uno de los cuales era una reseña de la Silva de romances viejos (1815), de Jacob Grimm; Sammlung der besten alten Spanischen Historischen, Ritter und Maurischen Romanzen (1817), por el historiador Georges Bernard Depping; y la Floresta de rimas antiguas castellanas (1821–1823), de Juan Nicolás Böhl de Faber. En su discurso primitivista y nacionalista sobre los romances, Moir presenta la literatura española posterior como una mera imitación de modelos extranjeros carente del patriotismo e idealismo medievales, propiciada por la ambición y la avaricia imperialista. Considerada junto con otras reseñas relacionadas con la crisis española de 1823, esta reseña muestra la voz corporativa de la revista sobre la decadencia cultural y política de España a modo de aviso a los británicos sobre los peligros de la política reaccionaria en el ámbito nacional y en el internacional. This article was published open access under a CC BY-NC-ND licence: https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/ .
Este artigo adopta un enfoque feminista para analizar os conflitos interpersoais femininos en dúas curtametraxes de ficción pertencentes ao cinema poscrise da ‘nova diáspora galega’. Partindo da teorización de Sara Ahmed sobre ‘a promesa da felicidade’ no ensaio homónimo (2010), que critica a suposta responsabilidade das persoas inmigrantes e as minorías de ser ‘felices’, arguméntase que Illa pedra (2010) e Galicia. Portobello Road (2015) dirixidas por Adriana Páramo Pérez (Vigo, 1985), expoñen o fracaso da economía neoliberal, ao desafiar as normas heteropatriarcais. Ao explorar o retrato cinematográfico da complexidade das relacións interpersoais femininas en contextos de migración de retorno, este artigo examina como estes filmes demostran o impacto negativo das crises económicas nos corpos e nas vidas persoais e profesionais das mulleres.
En la segunda mitad del siglo XVIII, los romances publicados en pliegos de cordel en España iniciaron un periodo de crecimiento que continuó durante el siglo siguiente. La proliferación de títulos vino acompañada de una creciente crítica por parte de las elites cultas que, a menudo, identificaban el gusto popular por los romances sobre guapos, vidas de santos y crímenes como un síntoma de la degeneración moral del país. Frente a estas composiciones, moralistas e intelectuales exaltaban el viejo romancero como depositario de las esencias nacionales. El famoso ‘ Discurso sobre la necesidad de prohibir la impresión y venta de las jácaras y romances vulgares ’, del escritor ilustrado Juan Meléndez Valdés, fue una de las primeras manifestaciones de esta interpretación del romancero, que se desarrollaría y consolidaría durante el siglo XIX. Este artículo pretende estudiar la contribución de la prensa periódica decimonónica al establecimiento de esta dicotomía entre los dos tipos de romances, unos asociados al ‘pueblo autentico’ y otros al ‘vulgo degradado’. This article was published open access under a CC BY-NC-ND licence: https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/ .
A finales del siglo XVIII, se produjo en España una revalorización del romance en tanto que poesía lírica nacional. No obstante, dicha revalorización estuvo atravesada por la relación conflictiva que mantenía la élite letrada y reformista que la propugnaba con los romances vulgares de su tiempo y con el propio pueblo español. Estas tensiones se evidenciaron en 1808, en el contexto de una revolución política en la que se actualizaron los discursos patrióticos que apelaban a la movilización popular, al tiempo que se temía el influjo de esta para un proyecto más amplio de regeneración nacional. Este artículo explora estas tensiones para entender el uso del romance (o la resistencia al mismo) en la poesía patriótica de los años de la guerra, en particular a través de la apuesta que hizo por el mismo José Mor de Fuentes en uno de los periódicos más populares del periodo: El Patriota (1809–1813). This article was published open access under a CC BY-NC-ND licence: https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/ .
Distintos estudiosos alemanes, siguiendo al filósofo y poeta alemán, Johann Gottfried Herder (1744–1803), construyeron en torno al romancero una densa teorización poética, antropológica, y en última instancia política, sobre el pueblo y la nación que tuvo extraordinaria difusión europea. Su rescate editorial y estudio fue asumido con entusiasmo por Johann Gottfried Herder, los hermanos Grimm, Georg Christoph Bernard Depping, Friedrich Diez, Victor Aimé Huber, Johann Nikolaus Böhl von Faber, Beauregard Pandin, Emanuel Geibel y Ferdinand Wolf, cuyas colecciones tuvieron repercusión internacional en la definición del corpus romanceril desde los prolegómenos románticos al inicio de la crítica positivista. Este trabajo se propone observar cómo las sucesivas colecciones editadas en países de habla alemana desde comienzos del siglo XIX hasta 1860 fueron saludadas y comentadas en reseñas publicadas por las más importantes cabeceras de prensa literaria. En ellas se observa la permanencia y evolución del ideario herderiano del Volkslied , la convicción alemana de estar protagonizando la restauración del romancero, y el progresivo desarrollo de los criterios editoriales que condujeron hasta los primeros estudios positivistas del romance. This article was published open access under a CC BY-NC-ND licence: https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/ .
Este artículo analiza Cuatreros desde los estudios culturales sobre memoria y trauma, utilizando un análisis textual. Se propone que la película de Albertina Carri es una autobiografía audiovisual dentro de las obras de no ficción contemporáneas. Se examina cómo la directora emplea material de archivo a través del montaje para construir el discurso del filme. Además, se establece una conexión entre Cuatreros (2016) y Los rubios (2003), destacando sus puntos en común y cómo la primera expande las problemáticas planteadas en la segunda mediante un enfoque distinto. El estudio muestra cómo Carri crea un ensayo audiovisual, usando imágenes de archivo que reemplazan las ausentes, y mediante procedimientos de montaje que transmutan y ficcionalizan estas imágenes para integrarlas en la trama. Así, Carri ilustra su memoria a través de las memorias de otros, abriendo su estilo cinematográfico a nuevas propuestas formales y evolucionando su estudio de posmemoria. This article was published open access under a CC BY licence: https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/ .
Este estudio propone una novedosa interpretación crítica de los Enigmas ofrecidos a la soberana asamblea de la casa del placer (1692), de Sor Juana Inés de la Cruz, argumentando que la técnica que se utilizó para escribir varios de sus poemas es propia del conceptismo sacro, un estilo barroco de ingeniosa brevedad, paradoja e ingenio, con el que se solía representar los misterios divinos. La crítica anterior había adscrito el libro al género de la literatura lúdica profana, sugiriendo que su poesía recreaba a distancia el mundo cortesano y contravenía una cultura conventual en la que la práctica de juegos literarios no era lícita. Este estudio demuestra que, por el contrario, los juegos que propone la autora son típicos de la literatura sacra del siglo diecisiete y tienen el propósito de promover prácticas intelectuales, poéticas y devocionales en una comunidad de monjas adeptas a la escritura. This article was published open access under a CC BY-NC-ND licence: https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/ .
La presencia de elementos culturales de los pueblos indígenas de Colombia en Cien años de soledad de Gabriel García Marquez ha sido iluminada en gran parte por los varios estudios de Jay Corwin. El presente ensayo, informado por un análisis de la ‘estética del brillo’ del antropólogo Nicholas Saunders, busca elucidar con mayor precisión lo referente al rito original, y la leyenda subsecuente de El Dorado en la novela. Una constelación de personajes, acciones repetidas, y ciertos elementos del rito muisca de la investidura de un nuevo zipa (gobernante) revela una trayectoria que señala la deformación del rito original hacia su eventual tragedia capitalista.
En el presente artículo se propone una lectura crítica de Oremus (1893) de Eva Canel, obra casi desconocida en su producción. El texto ofrece un tipo femenino muy próximo a la (anti)heroína realista clásica aquejada de histeria y misticismo que inclina la producción caneliana hacia el naturalismo radical, pese a los desmentidos de su autora. A través de un paradigma comparativo compuesto por textos literarios (Clarín, López Bago, Pardo Bazán, Santa Teresa de Ávila) y no literarios (Viguera, Zamacois, Richet), se plantea como objetivo principal dar cuenta de las manifestaciones histéricas que abordan a Cecilia, protagonista de Oremus , y que la conducen a la posesión infernal como epítome de esta condición. Se pretende con ello referir al obsesivo misticismo, el adulterio espiritual y la incomprensión social como factores determinantes para revertir la relación causa-efecto entre deseo sexual e histeria y así evitar etiquetar Oremus como una mera novela de adulterio.
Si el arte y el diálogo interartístico aparecen de manera recurrente en la producción literaria española de las últimas décadas, uno de los novelistas representativo de esta tendencia es, sin lugar a dudas, Rafael Chirbes (1949–2015). En sus obras, el arte nunca aparece como escenario o tema principal y sin embargo constituye un telón de fondo muy significativo; se teje con personajes creadores o relacionados con el arte, una cantidad ingente de referencias culturales y una capacidad para introducir lo pictórico en la escritura. Sus novelas dialogan con la pintura y el autor utiliza el arte para pensar el mundo, reflexionar sobre la sociedad, las contradicciones de su generación y de sí mismo. Nos proponemos analizar cómo se sirve del arte (un arte fundamentalmente asociado al mundo de la burguesía) para expresar sus sentimientos frente a la Transición española y un desencanto (¿desengaño?) que compartió con parte de sus coetáneos.
Tras la crisis española de 2008, se han hecho manifiestas las consecuencias del capitalismo sin freno que ha desembocado en el desmantelamiento del estado de bienestar y, con él, en el aumento del paro, la precariedad, los desahucios y el acceso a la vivienda. Todo ello genera un caldo de cultivo idóneo para el surgimiento de prácticas artísticas capaces de crear un espacio desde donde repensar la política y representar y denunciar los problemas de nuestra sociedad. En este contexto, este artículo estudia una literatura que no solo integra en sus argumentos los conflictos socioeconómicos, sino que lo hace además desde estéticas definidas por el riesgo formal, lo que motiva la etiqueta de ‘radicales precarios’ que propone Francisca Noguerol para los escritores contemporáneos. Desde este planteamiento, se examinan las relaciones entre precariedad, exocanon y prácticas textovisuales en la literatura española contemporánea y se analiza como caso de estudio el libro intermedial, hasta ahora desatendido por la crítica, Modos de (no) entrar en casa (2015) de Alicia Kopf (Girona, 1982), para concluir que resulta un ejercicio experimental tan lúdico en su estética como combatiente en su raíz política que puede ser nombrado como el libro de artista del precariado en España.
