Este artículo propone una lectura textual del star system en el Hollywood clásico (1930-1945), centrándose en la representación de la vulnerabilidad emocional masculina en la pantalla. A partir de un enfoque crítico que integra teorías de la cultura visual y la semiótica fílmica, el análisis explora cómo las estrellas masculinas utilizan dispositivos simbólicos, como objetos, gestos, motivos visuales y recursos melódicos, para contener o enmascarar la manifestación del llanto, entendido no solo como una expresión afectiva, sino como un síntoma cultural revelador de las normativas de género en la industria cinematográfica. Inspirado en los marcos teóricos de Aby Warburg (s. f.) (pathosformel), Walter Benjamin (1997) (aura e imagen dialéctica), Roland Barthes (1980) (punctum y texto vestigial), Georges Didi-Huberman (2017) (huella y memoria visual), Gilles Deleuze (1985) (cine-afecto) y Jesús González Requena (1995) (film acting y texto fílmico), el trabajo interpreta la imagen cinematográfica como un espacio de condensación ideológica donde se negocian las formas visibles e invisibles del deseo, la emoción y la subjetividad masculina. A través de un análisis textual de secuencias seleccionadas, se revela cómo el star system construye una estética de la contención emocional que refuerza ciertos arquetipos de masculinidad y restringe la visibilidad de la lágrima como signo de vulnerabilidad.
Este artículo analiza la serie fotográfica Ravens (1986) del fotógrafo japonés Fukase Masahisa, centrándose en la construcción de la escena fantasmática y su capacidad para generar conexiones emocionales profundas con el espectador. La metodología empleada se basa en el análisis textual desde la Teoría del Texto, que permite articular los niveles semiótico, imaginario y real en la interpretación de la obra. El análisis revela cómo la obra trasciende la mera documentación fotográfica para conformar una escena en la que los espectadores pueden reconocer sus propias experiencias de pérdida y transformación. Se concluye que la perdurable relevancia de Ravens radica en su capacidad para construir un puente entre la experiencia personal del fotógrafo y la dimensión universal del duelo y la melancolía.
Este artículo examina la enseñanza y el método de la teoría del texto audiovisual desarrollada por Jesús González Requena, entendida como una propuesta teórico-metodológica que concibe el texto artístico como un espacio de experiencia subjetiva. El propósito principal es precisar qué aporta esta teoría al análisis audiovisual contemporáneo y cómo puede enseñarse en la universidad un método cuyo núcleo es esencialmente experiencial y transferencial. Para ello, el estudio distingue entre textos comunicativos y artísticos, así como presenta los tres registros (semiótico, imaginario y real) en su articulación simbólica y la manera en que estos permiten describir cómo un texto convoca la subjetividad del lector-espectador. Metodológicamente, el artículo sistematiza el trabajo pedagógico desarrollado desde 1983 en el Seminario de Análisis Textual de la Universidad Complutense de Madrid, concebido como un laboratorio de lectura audiovisual. Se describe su dinámica pedagógico-clínica a partir del desdoblamiento profesor/alumno en lector y analista, así como se analizan las lógicas de deseo, transferencia y resistencia implicadas en la lectura. Uno de los principales aportes es la identificación de una metodología específica (deletreo moroso, congelado de plano, repetición, atención flotante y asociación libre) que articula el rigor formal del análisis con la experiencia subjetiva del lector y permite acceder a la dimensión de verdad del texto más allá de sus estructuras significantes. La conclusión sostiene que la teoría del texto constituye una alternativa metodológica sólida para el análisis audiovisual en las ciencias humanas y que su dimensión pedagógica ofrece un modelo formativo singular, aunque su transmisión universitaria plantea el desafío de enseñar una práctica cuyo eje es, ante todo, experiencial.
El artículo analiza cómo la esfera política interactúa con la esfera mediática en el entorno digital brasileño: se centra en el discurso antimediático y en sus características. La literatura reciente ha destacado el trato hostil que los medios de comunicación y el ejercicio del periodismo han recibido por parte de diversos actores políticos en distintos contextos. A partir de un análisis empírico, se busca verificar cómo los discursos antimedios son incorporados a la comunicación política digital en Brasil, centrando la atención en los discursos de diputados federales electos en 2022. Para ello, se analizaron 27.789 mensajes publicados en la red social X, emitidos por una muestra de 61 parlamentarios. Los resultados muestran que el discurso antimedios se concentra principalmente en sectores de ideología conservadora. Además, los datos también muestran que, aunque el blanco más frecuente son los grandes grupos de comunicación, los parlamentarios situados ideológicamente más a la derecha se distinguen por atacar directamente a profesionales del periodismo. Asimismo, también se observa que tanto los políticos situados en ambos polos —derecha e izquierda—dirigen sus críticas mayoritarmanete hacia los medios tradicionales.
El cine de Brian de Palma ha sido con frecuencia malinterpretado en el momento de su estreno, y Doble cuerpo (Brian de Palma, 1984) es uno de los mejores exponentes. Considerada un plagio de distintos motivos tomados de la obra de Alfred Hitchcock y acusada de violenta y sexista, la película participa, en realidad, de una tendencia reflexiva presente en gran parte de la filmografía del director. A través del análisis textual, este artículo examina cómo el relato en Doble cuerpo funciona en dos niveles distintos. En el primero, sostenido por la superficie de sus imágenes y la anécdota narrativa explícita que se desarrolla, estaríamos ante un thriller que sigue las tendencias genéricas de Hollywood en lo que se refiere a la representación de la violencia y el erotismo. En el segundo, sin embargo, la connotación de todos los elementos a través de distintas estrategias reflexivas convierte la película en un comentario crítico sobre los modos de representación hegemónicos y los espectáculos masivos. En última instancia, los efectos de esta operación contribuyen a la formación de un espectador crítico que puede tomar consciencia de las formas audiovisuales y sus significaciones.
