The rise of new interactive devices and installations has given way to a new type of spectator, who functions as a narrative component: the interactor. Also part of the narrative, the character has been understood as a fictional entity distinct from others, endowed with agency and an inner life (Eder, Jannidis & Schneider, 2010). Can the interactor be considered a character? This paper explores areas of blending, ambiguity, or even transgression that emerge when the two concepts intersect, in order to identify conditions under which this may occur. The reflection is prompted by artistic forms such as interactive digital art created by Bianchini (2004), or Davies (2013). These works invite us to navigate thresholds by: (a) using Symbolic Interactionism to highlight how artworks are embedded with perceptual boundaries, whereby the interactor is perceived as a spectator by some and as a character by others; (b) conceiving of metalepsis as inherent to the interactor, who acts as a transgressive agent crossing the boundaries between the real and fictional worlds; and (c) questioning the limits of the concept of character, particularly the criterion of fictionality. We argue that the interactor can be understood as a character, considering theoretical, media-based, subjective and relational conditions.
Este artículo presenta una revisión sistematizada de la literatura científica sobre la relación entre educación artística y educación intercultural. El objeto del trabajo es conceptualizar el término educación artística intercultural, así como detectar los retos pedagógicos a los que se enfrenta este enfoque. Esta investigación forma parte del proyecto Educación Artística Inclusiva Online: desarrollo y evaluación de un modelo integral MOOC de formación docente (EDARCLUSIÓN) (PID2021-127124OB-I00). Con la elección de la revisión sistematizada como metodología de trabajo se buscó crear un estado de la cuestión sobre la materia. Bajo el enfoque SALSA (Search, Appraisal, Synthesis, Analysis) se analizaron un total de 190 artículos de las bases de datos Scopus y Web of Science, que exploran esta intersección entre los dos campos estudiados. Los resultados señalan cuatro aspectos fundamentales: acabar con las narrativas clásicas en torno a la diversidad, adoptar una perspectiva crítica en educación artística, propiciar nuevos currículums y metodologías y fomentar la formación del profesorado. Superar estos retos será fundamental para promover una educación inclusiva.
Este artículo estudia la función memorial del cine de Luis García Berlanga en relación con la Guerra Civil, el franquismo, la Transición y la democracia española. El objetivo consiste en examinar cómo sus películas transforman acontecimientos, instituciones y experiencias sociales del pasado reciente en materiales de memoria cultural. La investigación adopta un enfoque cualitativo, hermenéutico y fílmico-textual aplicado a Bienvenido, Míster Marshall, Plácido, El verdugo, la trilogía de los Leguineche, La vaquilla y Todos a la cárcel. El análisis atiende a la temporalidad de la producción, la temporalidad representada, las estrategias satíricas, el dispositivo coral, los espacios sociales, las formas de violencia o represión y la función memorial de cada filme. Los resultados muestran que las obras producidas durante el franquismo adquieren valor memorial como sátiras contemporáneas, releídas después como archivo cultural; la trilogía de los Leguineche fija la continuidad de las élites; La vaquilla revisa la Guerra Civil desde el esperpento; y Todos a la cárcel problematiza la institucionalización democrática del recuerdo. Se concluye que Berlanga convierte la comedia coral en una forma crítica de conocimiento histórico, capaz de revelar las persistencias del poder y las contradicciones de la memoria española contemporánea.
Focusing on the works of Jiang Pengyi and Chen Xiaoyi, the study investigates how experimental photographic practices challenge the anthropocentric foundations of traditional photographic representation. Jiang’s experimental projects, based on cameraless photography and material encounters with light, insects, and chemical processes, foreground the agency of non-human forces in the production of images. Chen’s work, shaped by Chinese aesthetics and philosophy, constructs a visual language that avoids objectification and emphasises continuity between human and natural forms. Situating these practices within the history of abstract photography and within contemporary debates on experimental image-making in relation to the ecological crisis, the article argues that both artists articulate a form of abstraction that is neither purely formal nor detached from reality. Instead, their works operate as visual investigations of matter, perception, and environmental change, offering new ways of thinking about photography’s role in times of planetary instability.
El Archivo del Palacio Real y el Museo Cerralbo, ambos en Madrid, atesoran dos importantes colecciones fotográficas del estudio Abdullah Frères, una importante familia de fotógrafos del siglo XIX radicados en Constantinopla. Su estudio fotográfico llegó a ser considerados como uno de los más importantes del Imperio otomano y durante un tiempo abrieron sucursales en Esmirna y El Cairo, lo cual da a entender su importancia en el negocio de la fotografía que se realizaba en Oriente Próximo y que tanto atraía a turistas europeos por su carácter orientalista. Además, fueron fotógrafos oficiales de los sultanes otomanos Abdülaziz y Abdülhamid II. Se desconoce cómo llegó a España la colección del Archivo del Palacio Real, quizás fue un regalo diplomático a la corte real. La colección del Museo Cerralbo es fruto del viaje que a finales de 1889 realizó a Constantinopla Enrique de Aguilera y Gamboa, XVII marqués de Cerralbo, acompañado de su mujer y los dos hijos de esta. La presente investigación pone su atención en un análisis minucioso de ambas colecciones fotográficas con el objetivo de contribuir al análisis de la fotografía otomana y a la comprensión del fenómeno del orientalismo del siglo XIX en el contexto español.
El estudio de la fotografía amateur durante la Alemania de la República de Weimar (1919-1933) arroja luz sobre la incidencia en la sociedad civil de las fórmulas estéticas y los avances técnicos que caracterizan el periodo, pero también sobre el persistente afán de educarla para ponerla al servicio de intereses creados. Dada la escasez de aproximaciones a este segundo aspecto, el artículo despliega un análisis específico y comparado de las ideas emanadas de las organizaciones y publicaciones fotográficas destinadas al colectivo amateur, con especial énfasis en las promovidas por los dos grandes partidos políticos de izquierda, y somete a estudio sus respectivos modelos de aplicación. Este enfoque permite apreciar qué concepción genérica existía de la práctica fotográfica amateur, qué mecanismos se emplearon para situarla bajo control, y cuáles fueron los resultados genéricos de esa acción. En último término, el análisis favorece una mejor comprensión del posterior intento de poner la actividad fotográfica amateur al servicio de ideas y proyectos abiertamente lesivos.
En un contexto marcado por la intersección entre crisis ecológica y saturación visual digital, este artículo propone repensar la alfabetización visual crítica desde la primera infancia. Frente a enfoques centrados en la interpretación de imágenes circulantes, se plantea situar lo crítico en la experiencia de producción material de la imagen. A partir de una investigación basada en las artes, se analiza una práctica de clorotipia con niños y niñas de entre uno y dos años, entendida no como técnica didáctica, sino como régimen visual alternativo. La clorotipia, al vincular la imagen con procesos ecológicos como la fotosíntesis, introduce una temporalidad lenta, una relación no extractiva con la materia y una comprensión de la imagen como acontecimiento. Los resultados muestran que, en estas edades, la relación con lo visual se construye a través de la acción, la atención y el encuentro con materiales y procesos, configurando disposiciones perceptivas previas a la cultura de pantallas. El estudio amplía así la noción de alfabetización visual, proponiéndola como una práctica ecoestética encarnada que articula educación, visualidad y ecología desde la experiencia.
El siguiente escrito aborda el seguimiento y estudio de la noción de extrañamiento, desde que fraguara como teoría a comienzos del s. XX dentro del Formalismo Ruso, hasta llegar a la actual escena del arte contemporáneo, con el objetivo de identificar un reducido conjunto de obras en las que este fenómeno alcanza un carácter e intensidad singulares. Este acercamiento permitirá, en primer lugar, dar cuenta de las principales características de este procedimiento, tal y como quedaron recogidas en las tesis de Viktor Shklovski, así como de sus posteriores relecturas y redefiniciones, en el trabajo de diferentes autores. En segundo, constatar cómo el tipo de experiencia discutida en estos planteamientos, en la que lo familiar y lo desconocido cohabitan, condensa de manera especialmente significativa en nuestro idioma, bajo el verbo «extrañar». Desde aquí, en tercer lugar, explicitar cómo todo ello adquiere una particular configuración en una serie de obras en las que, de forma paradójica, la fotografía es instalada en aquellos lugares donde originalmente fue tomada. Para finalmente, conducir la reflexión hasta ciertos debates que reivindican hoy la factura y materialidad de las imágenes, ensayando con ello, sólo tentativamente, algunas salidas a la crisis de la representación que atraviesa el último siglo.
Este artículo analiza la producción pictórica de Ana Peters entre 1964 y 1967, periodo en el que la artista desarrolla una singular apropiación crítica del lenguaje del cómic. Mediante una metodología interdisciplinar que combina la historia social del arte, el análisis semiótico y los estudios visuales feministas, este trabajo examina cómo las estrategias de fragmentación, repetición y elipsis de la viñeta operan como dispositivos de contestación frente a los arquetipos de género del tardofranquismo. La aportación específica de esta investigación radica en desvelar cómo la obra de Peters no constituye una mera mímesis del Pop Art internacional, sino un contra-dispositivo visual que, al vaciar de contenido la iconografía de consumo de masas, evidencia la fractura entre la modernización económica del desarrollismo y la persistencia de las estructuras patriarcales. El estudio concluye que, lejos de ser una práctica tangencial, el dibujo de Peters se erige como un ejercicio de resistencia semiótica fundamental para comprender la emergencia de una conciencia de género en la vanguardia española de los años sesenta.
A partir de un enfoque comparado se analiza el arte urbano en el espacio público como experiencia de aprendizaje ciudadano y su relación con la calidad de vida percibida. Se estudian los contextos urbanos españoles de Pamplona, Madrid y Ceuta, seleccionados por su posición relativa (superior, intermedia e inferior), respecto al Indicador Multidimensional de Calidad de Vida, elaborado anualmente por el Instituto Nacional de Estadística. La metodología del proyecto de investigación, al que pertenece la presente contribución, se organiza en dos fases: inventariado, geolocalización y fichas de caracterización de las obras existentes para vincular cada intervención con su contexto urbano y, la aplicación de una encuesta ciudadana estructurada según los niveles cognitivos de la Taxonomía de Bloom, incorporando dimensiones afectivas y operativas. Los resultados de la encuesta difundida en las tres ciudades evidencian una alta visibilidad y reconocimiento de las intervenciones artísticas y una valoración mayoritariamente positiva de su influencia en la vida cotidiana, aunque la implicación activa de la población en proyectos artísticos permanece en niveles inferiores. Como aportación metodológica, se propone una versión sintética de seis ítems, aplicable en procesos de mediación e impacto social, orientada a estimar la intensidad de interacción cognitiva entre ciudadanía y arte urbano.
Este artículo analiza cómo se dirimen, en el presente, las disputas en torno a la representación de la última dictadura argentina (1976–1983) a través de prácticas artísticas desarrolladas en lugares de memoria de la ciudad de La Plata (provincia de Buenos Aires). El objetivo es examinar las decisiones estéticas, los procesos de debate colectivo y los desafíos pedagógicos implicados en la producción de dos murales emplazados en instituciones de salud pública. Metodológicamente, se adopta un enfoque cualitativo que articula trabajo de campo, entrevistas y análisis iconográfico de las obras. El abordaje se organiza en tres dimensiones interrelacionadas -estética, procesual y pedagógica- que permiten comprender tanto las elecciones formales como las tensiones surgidas durante su elaboración y en sus proyecciones de transmisión pública. Los resultados muestran que las disputas sobre la representación del horror no se resuelven únicamente en el plano teórico, sino en procesos concretos de negociación entre actores con expectativas diversas. Asimismo, se advierte que la dimensión pedagógica, central en estos espacios, tiende a recibir menor reflexión que las discusiones estéticas, lo que incide en las condiciones de inteligibilidad de los murales en el espacio público.
El arte feminista ha sido abordado desde marcos interpretativos que han tendido a privilegiar la denuncia, la gravedad del conflicto o la expresión de la rabia, lo que ha relegado a un segundo plano otras estrategias políticas igualmente eficaces. Frente a esta lectura restrictiva, el presente artículo analiza el uso del humor y la ironía como formas específicas de resistencia visual en el arte feminista producido durante la transición española. Desde un enfoque epistemológico feminista, el estudio se centra en las prácticas de Esther Ferrer, Isabel Oliver y Paz Muro, examinando cómo sus obras incorporan lenguajes vinculados a la cultura visual y al imaginario mediático para subvertir los discursos hegemónicos sobre la feminidad. A través de la parodia, el juego y la exageración, estas artistas cuestionan el canon estético, la reclusión de las mujeres en el ámbito doméstico y la construcción cultural de la supuesta falta de talento femenino. Este trabajo sostiene que la ironía opera como una modalidad específica de resistencia simbólica que, lejos de suavizar el conflicto, introduce una distancia crítica capaz de generar desplazamientos en los sistemas de representación y de activar lecturas críticas de las imágenes.
Según la literatura científica, el diseño del packaging constituye un factor esencial en la construcción del valor simbólico del producto y, por tanto, condiciona la intención de compra de los consumidores. Partiendo de esta afirmación, el estudio analiza la influencia del envase en la percepción de calidad de alimentos típicos del centro de Portugal (Beira Baixa, Beira Alta y Alto Minho) como el aceite, la miel, el vino, los ahumados y la fruta. El objetivo principal es determinar si la calidad y la innovación del diseño de packaging influyen directamente en la percepción de calidad del producto y analizar la repercusión de varios atributos (forma, material, rótulo y diseño gráfico y otros componentes) en esta valoración. Para ello, la metodología de la investigación combina un panel de siete expertos en diseño gráfico (para una evaluación del diseño de packaging) y una encuesta cuantitativa aplicada a consumidores (n = 75). Los resultados revelan una muy importante relación entre la calidad del diseño y la calidad atribuida al producto, así como la especial repercusión del diseño gráfico de la etiqueta en estas valoraciones.
This article proposes a framework of biosystemic principles to visualize and manage complexity through gigamaps, addressing the lack of a unified language and semantics in systemic design. Drawing on principles of living systems-entropy, self-organization, interdependence, emergence, and evolution- and on systemic network properties-self-limiting, self-generating, and self-perpetuating-the Design Research Group (DRG) of a biocentrically oriented university department was constructed and analyzed through participatory workshops and iterative visualizations. The methodology combined a systematic registry of 60 research outputs with progressive maps, coding relationships and principles to reveal critical nodes and coherent subsystems. The results highlight, among other findings: (i) interdependence as a transversal property structuring non-linear networks; (ii) self-organization of subsystems without central control; (iii) entropy as an enabling force for asymmetric reconfigurations; and (iv) emergence and autogeneration of concepts during map maturation. An operational table of indicators and heuristics is presented to map each biosystemic principle across information recording and synthesis phases. The study concludes that these principles render systems more legible, governable, and evolvable without loss of identity.
This study investigates the poetic networks and exchanges between the Brazilian artist Tunga (1952-2016) and the School of Architecture of the Pontifical Catholic University of Valparaiso (PUCV). The research focuses on the 1960s and 1970s, a period during which Tunga, accompanying his father, the poet Gerardo Mello Mour & atilde;o, came into contact with the Chilean school, known for its pedagogical approach integrating architecture, visual arts, and poetry. The study is primarily based on the analysis of letters received by Tunga from founding professors of the school, Alberto Cruz, Godofredo Iommi, Manuel Casanueva, and Jos & eacute; Vial Armstrong, supplemented by the artist's manuscripts and interviews. The methodology combines the analysis of primary sources with theoretical frameworks drawn from intellectual biography (Dosse), biographemes (Barthes), and actor-network theory (Latour; Lepetit), enabling the identification and mapping of key interlocutors. The analysis demonstrates that these relationships extended beyond Tunga's youth, sustaining affective, pedagogical, and poetic exchanges through the 1980s and 2000s. Through the correspondence, it becomes evident that the interaction with the School of Valparaiso constituted an essential fragment of Tunga's creative trajectory, underscoring the importance of formative experiences for understanding his artistic path from an expanded perspective.
This research analyses the collaboration between Lydia Delectorskaya and Henri Matisse based on a documentary corpus of images taken in the painter's studio, where Delectorskaya can be seen actively engaging in the works with a constant and decisive presence. Between 1935 and 1954, Lydia D. systematically recorded the evolution of the canvases, compiling photographs and her own notes in her personal albums, along with some dictated by Matisse. Almost immediately, this practice became an integral part of the painting process, allowing them to review changes hidden by the brushstrokes, return to previous states, or even experiment with radical transformations. Part of this meticulous pictorial documentation was published by Lydia Delectorskaya in two of the three planned volumes (1986 & 1996); however, despite its undeniable value, both these books and the numerous gifts and dedications that Matisse offered her remain largely overlooked. Among them, an enigmatic drawing-two intertwined trunks dedicated to Lydia D., 1939-reveals, through the myth of Daphne, the intimate aesthetic and affective bond they shared for more than two decades, a relationship whose intensity, despite its evidence, remains silenced in official historiography.
This article presents the systematization of an artistic mediation project carried out in the neighbourhood of San Jos & eacute; Obrero (Alcantarilla, Murcia), a context marked by socio-educational vulnerability and a significant presence of Roma families. The study examines how a collective creative process, specifically designed for a group of Roma mothers and their children, can foster participation, cultural recognition and community strengthening. The research adopts a qualitative case-study approach, drawing on participant observation, visual production analysis and ethnographic field notes. Findings indicate that the artistic mediation process enabled the emergence of identity narratives, emotional expression and meaningful relational bonds among participants, while also promoting symbolic appropriation of the community space. At the same time, the study identifies cultural dynamics that shaped the forms and rhythms of engagement within the group. The article discusses the educational and social implications of artistic mediation in contexts of exclusion and offers insights for designing culturally responsive interventions in similar settings.
Investigating the creative process is a challenge faced by art-based research. Few studies have sought to reveal the complexity involved in the artistic creation process. The research presented below is an example of how to approach the world of artistic creation in order to analyze and understand it. To this end, a transcendental phenomenological study was conducted during the creation of two portraits of a young woman named Irene. The study began with an in-depth analysis of Irene's identity using semi-structured interviews, followed by the creation of reflective journals that captured the transcendental phenomenological processes associated with the creation of Irene's portraits. The value of this research lies in the fact that its results specifically show the analysis carried out on the process of artistic creation, opening, to some extent, the "black box" that encloses the magic of the creative process.
The following article presents the results of a study that evaluates digitally generated geometric textures applied to inclusive graphic materials, with the purpose of identifying which formal parameters- shape, height, density, directionality, and order-enhance the discrimination, recognition, and interpretation of embossed information by students who are blind or have low vision. A set of 18 geometric textures was designed in transparent PVC, selected in collaboration with blind experts and used in comparative, discriminatory, and ordering tests, along with interpretation exercises involving tactile images and embossed maps. Evaluations were conducted with children and adolescents who are blind or have severe visual impairment, all experienced in Braille and tactile graphics. The findings indicate that tactile textures, when interpreted h & aacute;ptically, enable the identification and association of shapes and structures that convey graphic information, while also enhancing perceptual discrimination and enriching the user's cognitive experience with an additional esthesic appeal. The study offers criteria and parameters for the future development of tactile materials aimed at inclusive education and multimodal learning for visually impaired users.
This article examines the role of photographic records of children playing in the street in postwar architectural debates and investigates how, until the advent of color photography, black-and-white documentary imagery contributed to shaping diverse urban imaginaries associated with childhood. Between the first playground inaugurated by Robert Moses (1934) and the last designed by Aldo van Eyck (1978), three paradigmatic cases are analyzed and compared: the playgrounds of New York, Amsterdam, and London, whose photographic archives were instrumental in the configuration, dissemination, and historiography of each project. The systematic study of municipal collections, historical holdings, and institutional repositories carried out across these three contexts demonstrates that such images, beyond documenting recreational spaces, articulated distinct visions of childhood, architecture, and the city: legitimizing patriotic narratives in the United States, constructing collective memory in the Netherlands, and narrating the ephemeral and disruptive action of British adventure playgrounds vis-a-vis the logics of modern planning. Finally, this comparative analysis situates this legacy within contemporary challenges surrounding the representation of childhood in a context marked by post-photography and the progressive erosion of photojournalism as a critical record of urban life.
