Este artículo examina Porno ficción (2011) de Diego Doncel como un poemario en el que el cuerpo deja de funcionar como soporte de interioridad para convertirse en una interfaz atravesada por dispositivos de representación, consumo y visibilidad. A partir de un marco que articula hiperrealidad, biopolítica del cuerpo y tecnologías del género, se analizan “Hipermodernidad”, “Momentos de ciencia ficción”, “Limonada y pastillas” y “Sexsurfing”. El estudio sostiene que el libro no solo tematiza la cultura mediática, sino que convierte sus dispositivos en experiencia lírica, desplazando la intimidad hacia una zona donde deseo, memoria e identidad se constituyen bajo condiciones de hiperrealidad afectiva. Desde esta perspectiva, la poesía de Doncel dialoga críticamente con la postpoesía española y actualiza la lírica de la negatividad al situar la herida en el cruce entre cuerpo, tecnología y consumo visual. Asimismo, se muestra que la mediación tecnológica no elimina la experiencia corporal, más bien redefine sus posibilidades de resistencia.
Este artículo analiza las metáforas en la representación de los cuerpos enfermos y su relación con el biopoder en tres textos distópicos de ciencia ficción centroamericana. A partir de una perspectiva biopolítica y poshumana, se encontraron tres metáforas biopoéticas. Dos estrechamente vinculadas: la bélica y la metáfora cuerpo-nación, presentes en “Sin una lenta agonía” y en “Aire”. En estos textos, el cuerpo enfermo es un campo de batalla. Además, la nación se compara con un cuerpo; y aquel que cuestione la hegemonía, con un agente patógeno. La tercera metáfora, cuerpo-bosque, observable en “Outbreak”, asimila al bosque con un cuerpo posthumano; y a la codicia capitalista, con un virus letal. Ante el bio/necropoder, se encontró una estrategia común: la constitución de comunidades abyectas. Además, se hallaron otras estrategias específicas: el humor carnavalesco en “Sin una lenta agonía”, la creación de un enclave utópico en “Aire” y la representación de una naturaleza monstruosa en “Outbreak”.
El artículo propone una discusión sobre las narrativas presentes en el rap producido en Medellín entre 2016 y 2024 desde una perspectiva sociobiográfica, con el propósito de explorar sus posibilidades para sugerir lecturas críticas y situadas del contexto sociocultural de la ciudad. Desde un horizonte postcualitativo, las letras de las canciones se abordaron metodológicamente desde la noción de los nudos biográfico-narrativos, lo que permite reconocer espacios de intensificación en los entramados de las experiencias narradas. Las reflexiones se orientan a comprender cómo las narrativas del rap permiten vislumbrar las tensiones sociales de la vida urbana, atravesadas por procesos de exclusión social, precarización laboral y dinámicas propias del consumo capitalista. Asimismo, el rap se comprende como una forma contemporánea de poética urbana que vincula música y literatura al transformar la experiencia vivida en narraciones sociobiográficas que articulan voces enunciativas, acontecimientos, sensibilidades colectivas y emociones políticas.
Este artículo propone una lectura de El viaje de Chihiro (dirigida por Hayao Miyazaki) a partir de ciertos paralelismos entre la cultura japonesa tradicional y la cultura amazónica. Tomando por base el pensamiento animista japonés (animizumu) y las reflexiones cosmológicas de las naciones indígenas de la Amazonía occidental, especialmente del pueblo shipibo-konibo, se exploran los vínculos entre espiritualidad, ecología, afecto y codicia en el relato fílmico. A través del análisis de conceptos como kamikakushi, la codicia como enfermedad espiritual, el poder medicinal de las plantas y la performatividad del lenguaje, se establece un diálogo entre las narrativas ancestrales japonesas (en especial las Leyendas de Tōno de Yanagita) y las epistemologías indígenas amazónicas. Se argumenta que la película funciona como un parteaguas simbólico que reactiva una “indigeneidad del ser” entre las narrativas ancestrales de cuidado y reciprocidad con los seres del territorio, humanos y no humanos. Finalmente, se propone que la animación puede ser comprendida como una herramienta de transmisión de saberes atávicos, capaz de contribuir a una cosmopoética crítica frente a los efectos deshumanizantes de la modernidad hegemónica.
In The Art of Creating Manga [2015], Hirohiko Araki acknowledges drawing inspiration from various art forms, including literature, when crafting his stories. His long-running and globally acclaimed manga mangaJoJos'Bizarre Adventure (1987-present) is no exception. Throughout the series, Araki constructs narrative arcs that are deeply influenced by literary classics. However, beginning with the introduction of the supernatural abilities known as "stands" in the third part of the series, many characters develop otherworldly powers-alter egos that serve as manifestations of their inner selves-which in some cases draw upon motifs from folk tales and fairy tales. This paper examines how the stands Judgment (Cameo) in Stardust Crusaders, Cinderella (Aya Tsuji) in Diamond Is Unbreakable, and Bohemian Rhapsody (Ungalo) in Stone Ocean reinterpret the narratives that inspire them in order to become active agents within Araki's original fictional universe.
This article examines the imaginaries disseminated by Colombian children's literature about the fictional scientist, based on a corpus of Colombian works with scientific themes and the masculine and feminine stereotypes of the fictional scientist from the Western literary tradition. The article shows that Colombian children's literature appeals to three main stereotypes: the adventurous scientist, the noble scientist, and the defenseless scientist. These appear connected to other masculine and feminine stereotypes that reinforce them. The article concludes that such stereotypes foster negative views of science, scientists, and their role in society. This raises the question of what kind of dialogue these imaginaries promote between science and society. The article contributes to a little-explored line in Spanish: the relationship between literature (children's literature) and science.
This paper is part of a broader investigation into the emergence of what we will call "speech literature" in Latin America in the early 1960s. The central hypothesis argues that the "oral turn" in our region is linked, on the one hand, to the appearance of the portable tape recorder, that is, to the possibility of recording and transcribing voices, and, on the other hand, to the emergence of an ethnographic discourse that discusses the scientific principles of anthropology that had been practiced in the first decades of the twentieth century. To examine this hypothesis, two works in particular are discussed: Juan P & eacute;rez Jolote: Biography of a Tzotzil by Ricardo Pozas and The Children of S & aacute;nchez: Autobiography of a Mexican Family by Oscar Lewis. It is concluded that this intersection between literature and ethnography entailed a reconsideration of the ethical and political place of researchers and writers, as well as a valuable contribution to theoretical reflection on the mutual implications between life and narration.
This essay analyzes the representation of Indigenous women in the comedies of the Spanish Golden Age with a Peruvian theme, highlighting how Spanish playwrights constructed a stereotypical image of these female figures. Through the characters of Princess Tipolda (El nuevo rey Gallinato by Andr & eacute;s de Claramonte), the chieftainess Tucapela (Las palabras a los reyes y la gloria de los Pizarro by Luis Velez de Guevara), the Amazons Martesia and Menalipe (Amazonas en las Indias by Tirso de Molina), and the Virgin of the Sun Guacolda (La Aurora en Copacabana by Pedro Calder & oacute;n de la Barca), it is observed how Golden Age theater subordinated indigenous female nobility to the power of the Spanish conqueror. These women, although represented with authority, are reduced to sentimental, treacherous, or submissive figures who end up surrendering to Spanish rule. The study reveals that the feminization of the conquest served to justify colonization and evangelization, minimizing the true political and social role that indigenous women had. However, a critical re-reading of these works allows for the recovery of the agency and historical relevance of these leaders within the Tahuantinsuyo at the time of the conquest.
This article proposes an interpretation of the presence of everyday objects in a corpus of colloquial Chilean poetry (as defined by Carmen Alemany), composed of texts by & Oacute;scar Hahn, Mauricio Redol & eacute;s, and Oscar Petrel. The aim of the research is to explore how these objects allow for an approach to the real through their relationship with the use of a colloquial style in poetic language. To this end, it adopts a theoretical framework based on Markus Gabriel's ontology of fields of sense, presented as an alternative to both constructivist and materialist approaches. Methodologically, a textual analysis of the selected poems is carried out, focusing on the way in which objects generate meaning. The conclusion suggests that these objects operate as points of access to what we call an expanded view of the real, in which the tangible materiality of objects converges with non-material fields of sense, enriching the way they are experienced: as an approach to the infinite that revalues everyday life.
This article examines Yanitzia Canetti's Novelita Rosa (1997) as a critique of the influence of soap operas on the construction of identities and affections, especially among Latin American migrant women. Drawing on the notions of simulacrum (Baudrillard), spectacle (Debord), and melodrama (L & oacute;pez, Mart & iacute;n-Barbero), it argues that television not only entertains but also substitutes real experience with prefabricated narratives. The protagonist, Rosa P & eacute;rez, emulates television models of beauty and romance that lead to alienation, marital dissatisfaction, and the loss of critical autonomy. The work also shows how the commodification of faith and the childish idealization of media heroes reinforce structures of gender, class, and race domination, reproducing symbolic colonialism. The d & eacute;nouement-turning off the television-is interpreted as an act of resistance against simulacrum, anticipating contemporary debates on social media and digital culture.
La literatura latinoamericana contemporánea está atravesada por una escritura del extrañamiento, un espacio-tiempo detonado y desordenado que se ubica en los bordes y en los límites de lo real, lo simbólico y el lenguaje. Desde allí se explora y juega con el sentido más allá del significado, se tocan y se traspasan los agujeros del lenguaje. En el presente ensayo nos aproximamos al concepto de excritura, entendida como aquella que rompe la escritura misma y la representación, fractura el equilibrio aparente del sentido y lo presiona hasta el extravío, mientras transita por lo estético, lo crítico y lo político. En este marco, analizamos (brevemente) la novela Las niñas del naranjel (2023) de Gabriela Cabezón Cámara como muestra de una propuesta estética y política propia de las excrituras del presente: si acogemos al otro y a lo otro (sea animal, selva, cuerpo) desde la hospitalidad y los vínculos, habitamos el presente de una forma radicalmente distinta.
El presente artículo explora el concepto de postheroísmo propuesto por Ulrich Bröckling, a partir del análisis del cuento “La increíble vida de Walter Mitty” de James Thurber y sus adaptaciones cinematográficas (1947 y 2013). Se destaca la evolución del personaje Walter Mitty, desde un soñador evasivo centrado en el éxito individual hasta un héroe cotidiano comprometido con una ética del cuidado comunitario en la versión de Ben Stiller. El artículo está cimentado en la teoría de la virtud de Alasdair MacIntyre. Se argumenta que las acciones de Mitty, en la adaptación de 2013, reflejan un heroísmo arraigado en lo cotidiano, donde la imaginación es una herramienta para el bien colectivo. La propuesta se alinea con la visión de Ursula K. Le Guin, a través de la presentación del héroe como parte de una red de relaciones sociales, donde cada individuo cumple una función significativa en comunidad.
This article examines the imaginaries disseminated by Colombian children’s literature about the fictional scientist, based on a corpus of Colombian works with scientific themes and the masculine and feminine stereotypes of the fictional scientist from the Western literary tradition. The article shows that Colombian children’s literature appeals to three main stereotypes: the adventurous scientist, the noble scientist, and the defenseless scientist. These appear connected to other masculine and feminine stereotypes that reinforce them. The article concludes that such stereotypes foster negative views of science, scientists, and their role in society. This raises the question of what kind of dialogue these imaginaries promote between science and society. The article contributes to a little-explored line in Spanish: the relationship between literature (children’s literature) and science.
This article proposes a critical reflection on the processes of construction and deconstruction of stereotypes about Indigenous women in Brazilian literature. It first reconstructs the formation of these imaginaries in Romanticism and the canonical tradition-docility, cultural submission, machismo, and the objectification of the "mother of the mestizo." It then analyzes poems by Eliane Potiguara, Gra & ccedil;a Gra & uacute;na, M & aacute;rcia Wayna Kambeba, and Auritha Tabajara through close readings articulated with feminist and decolonial approaches. The findings indicate: romantic procedures that naturalize the domestication of Indigenous femininity; contemporary strategies that invert the exoticizing gaze, reinscribe body-territory, and reactivate expressive forms linked to traditions; and evidence of agency, protagonism, and plurality that reconfigure the canon and unsettle hegemonic models. The article concludes that these authorships generate aesthetic, political, and pedagogical effects, with direct implications for literary criticism and for teaching from an intercultural perspective.
This article focuses on the discursive narratological thought of the writer Jos & eacute; Maria Arguedas. The aim of this inquiry is to understand Arguedas's narratological ideas regarding the figure of the author and narrative literary language. From anarratological perspective, the article examines Arguedas's reflections on these two central themes of literary discourse. Through documentary research, all documents in which Arguedas's narratological ideas could be recorded were analyzed. The study reveals that Arguedas defines himself as a writer gifted at narrating and that, assuming his status as a writer, he reflects on the process of creating a special literary language capable of representing the sociocultural reality of the Andean Quechua world with greater realism within the discursive framework of his postcolonial narrative. His theorization of literary language is based on intuitive reasoning.
The theme of childhood frequently recurs in the works of Julio Cort & aacute;zar. For instance, out of his 234 short stories, approximately one-third include child characters. The classification of characters constitutes a common approach in the study of literary characterization. In line with this tradition, and based on a detailed reading of all of Cort & aacute;zar's short stories, the present study proposes four main types of child characters in his stories: the child as protagonist and subject, the child as an object observed by adults, the child of the past, and the child who never grows up. This classification considers various aspects, such as the degree of subjectivity of the child characters, their role in the narrative structure, their level of personalization, and their relationship with narrative time. The corpus examined and the categorization of its characters are the result of a process of detailed reading and review of Cort & aacute;zar's short stories.
En El arte de hacer manga [2015], Hirohiko Araki confiesa que acude a distintas artes, entre ellas la literatura, como fuentes de inspiración para escribir sus historias. Su longevo manga JoJo’s Bizarre Adventure (1987-actualidad) no es la excepción. Allí, presenta arcos narrativos con estructuras y personajes fuertemente inspirados en clásicos literarios. Sin embargo, a partir de la incorporación de los poderes conocidos como “stands”, varios de los personajes desarrollan habilidades sobrenaturales, alter ego que resultan manifestaciones de su ser y que, en algunos casos, se vinculan con relatos populares y cuentos de hadas. En este artículo analizaremos cómo los stands Judgment de Cameo en Stardust Crusaders, Cinderella de Aya Tsuji en Diamond Is Unbreakable y Bohemian Rhapsody de Ungalo en Stone Ocean reformulan las narraciones en las que están inspirados para participar activamente del novedoso mundo ficcional construido por Araki.
Este artículo forma parte de una investigación más amplia sobre el surgimiento de lo que llamaremos “literatura de las hablas” en América Latina a comienzos de los años sesenta. La hipótesis central del trabajo sostiene que el “giro oral” en nuestra región se vincula, por un lado, a la aparición de la grabadora portátil, es decir, a la posibilidad de grabar y transcribir voces y, por otro, a la emergencia de un discurso etnográfico que discute los principios científicos de la antropología practicada en las primeras décadas del siglo xx. Para examinar esa hipótesis, se abordan en particular dos obras: Juan Pérez Jolote. Biografía de un tzotzil de Ricardo Pozas y Los hijos de Sánchez de Oscar Lewis. Se concluye que este punto de encuentro entre la literatura y la etnografía supuso una reconsideración del lugar ético y político de investigadores y escritores, así como también un valioso aporte a la reflexión teórica acerca de las implicaciones mutuas entre vida y narración.
The oppressions that determine women's lives in a patriarchal society are complex and overlapping structures that do not affect women separately. That is, in their intersection and relationship, these injustices lead to specific forms of violence. This article analyzes, from an intersectional perspective, a corpus of plays written by Chilean female playwrights during the 20th century: Deshonra [Disgrace] (1941) by AnaAyala, & iquest;Qui & eacute;n tuvo la culpa de la muerte de laMaria Gonz & aacute;lez? [Who Was to Blame for Maria Gonz & aacute;lezs' Death?] (1969) by Isidora Aguirre, and Voces en el barro [Voices in the Mud] (2000) by M & oacute;nica P & eacute;rez. This study reveals how these female authors highlight the complexity of the violence generated by the intersection of gender, class and race. These plays represent the way this intersection determines the lives of their protagonists, revealing a complex web of oppression. Likewise, this study considers these plays as documents that allow us to trace the condition of women in the contexts in which they were written and the desire to question dominant discourses.
El presente artículo se centra en el pensamiento narratológico discursivo del escritor José María Arguedas. El objetivo de la indagación es comprender las ideas narratológicas de Arguedas en torno a la figura del autor y el lenguaje literario narrativo. Desde la perspectiva de la narratología, el artículo examina la reflexión de Arguedas sobre estos dos temas centrales del discurso literario. A través del método de la investigación documental, han sido analizados todos los documentos en los que se pudieron registrar las ideas narratológicas de Arguedas. El estudio revela que Arguedas se autodefine como un escritor dotado para narrar y que, asumiendo su condición de escritor, reflexiona sobre el proceso de creación de un lenguaje literario especial que tenga la capacidad de representar con mayor verismo la realidad sociocultural del mundo andino quechua en el plano discursivo de su narrativa postcolonial. Su teorización del lenguaje literario se funda en el razonamiento intuitivo.
