Neste informe, verifica-se a existência da Sociedade Femina e recupera-se parte da história da atuação feminista e musical brasileira. A Sociedade Feminina de Cultura Artístico-Musical existiu no Rio de Janeiro entre agosto de 1916 e março de 1918. Presidida pela cantora lírica Julieta Correa, a Femina promoveu a música de concerto, a declamação e valores que seguiam os moldes do feminismo europeu. Mulheres dirigiram a Femina, entretanto, varões musicistas ocuparam os cargos de diretor artístico, diretor de coro e diretor de orquestra. A grande presença feminina em espaços de educação musical foi interpretada como uma forma complexa de segregação social. Considerou-se a literatura feminista, historiográfica e musicológica. As fontes primárias foram encontradas na Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional do Brasil. Fundada por Antonieta Leite de Castro, Branca Bilhar, Brasilina Bormann, Edméa Regazzi e Julieta Correa, a Sociedade Femina foi a primeira organização feminista no campo da música de concerto carioca.
Este artigo identifica e caracteriza o repertório de piano para a mão esquerda em Portugal. O processo de levantamento incluiu a consulta de catálogos, arquivos digitais, coleções e publicações documentais, além da colaboração com investigadores e instituições musicais portuguesas, resultando simultaneamente na encomenda, estreia, publicação e gravação de novas obras. A caracterização do repertório utilizou uma abordagem multifacetada, combinando a análise de conteúdo de diversas fontes, incluindo partituras, testemunhos de compositores e contextos histórico-culturais relevantes. A pesquisa fundamentou-se num quadro metodológico baseado nos trabalhos de Theodore Edel, Donald Patterson e Hélder Araújo, complementado pela análise de conteúdo e musical dos documentos recolhidos. Os conteúdos foram classificados nas categorias Desenvolvimento Técnico, Lesão, Desafio Composicional, Desafio Performativo, Encomendas e Interesse Estético, sendo elas utilizadas para mapear as circunstâncias de criação das obras. A pesquisa revelou que as motivações para a composição do repertório português para a mão esquerda são diversas, abrangendo desde desafios técnicos e composicionais até propósitos didáticos e estéticos. As 25 obras localizadas e analisadas estão distribuídas desde o século XIX até o presente, evidenciando uma continuidade histórica e a adoção de diferentes estéticas, em alguns casos corporizadas pela ação de uma só mão, tornando-a um elemento estrutural de coesão e de veiculação conceitual das peças. Essa abordagem desafia as ideias de limitação e restrição de meios, ampliando as possibilidades expressivas no contexto pianístico contemporâneo português.
Este artigo tem como objetivo apresentar e discutir os significados produzidos em um curso de extensão on-line, oferecido em 2021, durante o período de pandemia e de isolamento social, que foi estruturado em duas aulas e que tinha como público-alvo professoras(es) de música não indígenas, com o objetivo de capacitá-las(os) para o ensino da Música dos povos originários, em consonância com os pressupostos da Lei n.º 11.645/2008. A primeira aula, ministrada pelo autor, abordou questões teóricas sobre repertório, instrumentos musicais, danças, cosmovisão e modo de vida do povo Guarani Mbya. Para ensinar sobre esses aspectos, o pesquisador procedeu a uma revisão bibliográfica sobre o tema e realizou uma entrevista informal com o cacique da aldeia Sapukai de Bracuhí, localizada em Angra dos Reis-RJ. A segunda e última aula foi um concerto didático ministrado por um coral formado por músicos e cantores da aldeia citada. Após as aulas, como forma de avaliar o curso, o pesquisador e as(os) cursistas escreveram textos sobre a experiência, que foram analisados por meio da técnica de análise de conteúdo por categorização, para se compreender os sentidos que foram produzidos pelo curso. Percebeu-se que é possível empreender um ensino de música decolonial, que, apesar de suas limitações, valoriza os diferentes saberes e possibilita que as(os) professoras(es) de Música produzam uma rede de significados sobre si, sobre os outros, sobre o mundo e sobre o ensino, que pode culminar em ações de valorização das diferenças e combate às bases estruturais das desigualdades.
O presente artigo busca investigar as influências da linguagem jazzística no pandeiro brasileiro, em especial no fazer musical de pandeiristas pertencentes a uma geração de percussionistas descrita aqui por Pandeiro Grave. Nesse sentido, o imaginário do jazz aparece na prática destes instrumentistas tanto em suas dimensões musicais, rítmicas, harmônicas e melódicas, quanto em suas dimensões simbólicas. Esta pesquisa foca o trabalho de quatro pandeiristas: Scott Feiner, Gustavo Bali, Tulio Araujo e Sérgio Krakowski, buscando, por meio da análise de transcrições musicais e de discursos e falas coletadas em entrevistas públicas, e observada a bibliografia especializada sobre jazz, buscando entender o modo particular como esses músicos se apropriam desse imaginário jazzístico. O que se pretende argumentar é que a abertura do pandeiro brasileiro a essa linguagem é uma matriz importante para uma mudança de perspectiva em relação a esse instrumento, propondo uma abordagem mais melódica da improvisação do pandeiro e de um maior diálogo musical com o restante do conjunto instrumental.
Infância Musicante: crianças interrogam a educação musical na contemporaneidade é dossiê que reúne um conjunto de artigos científicos sobre Educação Musical e infância/crianças. Nosso objetivo é compor um movimento para aproximar, fortalecer e provocar reflexão crítica à medida que dissemina resultados de pesquisas que enfrentam democracias frágeis e os direitos das crianças a serem constantemente reafirmados. Os nove textos que compõem esse dossiê, baseados em filiações teóricas e com temáticas distintas, foram organizados em dois eixos: estudos sobre infância ou sobre crianças, e pesquisas desenvolvidas com crianças.
