O artigo investiga a relação entre as artes produzidas nos territórios indígenas e seus trânsitos nas instituições de artes visuais, no cruzamento entre a antropologia, a história da arte e as artes visuais. Procura contribuir para refletir sobre à seguinte questão: como o significado, a agência e a memória das produções indígenas operam ou se transmutam em duas obras produzidas por artistas indígenas, expostas na 60ª Bienal de Veneza? O recorte recai sobre as obras Takapau, do coletivo maori Mataaho, e Okará Assojabá, de Glicéria Tupinambá e Comunidade Tupinambá da Serra do Padeiro e Olivença, ambas ancoradas em conhecimentos coletivos e de grande valor cultural. Tais obras – agora expostas como arte contemporânea – dialogam com objetos que transitaram entre aldeias e museus etnográficos durante décadas ou mesmo séculos, povoando ao mesmo tempo os imaginários dos colonizadores europeus.
O texto analisa a emergência da Arte Indígena Contemporânea (AIC) como um campo que contribui para reposicionar os sujeitos indígenas no imaginário brasileiro. Em contraste com a tradição antropológica, que privilegiou produções artísticas vinculadas a contextos considerados “tradicionais”, o artigo destaca a crescente presença de artistas indígenas em contextos urbanos. Esses artistas atuariam em um “terceiro espaço”, híbrido e situado entre o tradicional e o contemporâneo, no qual afirmam novas formas de identidade, expressão e agência, ampliando as noções de indigeneidade no Brasil. Por fim, o texto apresenta uma entrevista realizada pelo autor com o artista Jaider Esbell em 2014, evidenciando aspectos centrais de sua prática e pensamento artístico.
Este artigo analisa a arte indígena contemporânea como força cosmopolítica que tensiona dispositivos curatoriais e regimes de visibilidade hegemônicos. A abordagem qualitativa, crítica e documental examina um corpus empírico com casos paradigmáticos, como a presença do coletivo MAHKU na Documenta Fifteen e obras de artistas como Denilson Baniwa e Daiara Tukano, articulando perspectivas teóricas decoloniais e indígenas. Os resultados demonstram que essas práticas artísticas operam uma ruptura ontológica, desestabilizando categorias modernas de obra, autoria e arquivo ao reinscreverem a arte como extensão da luta territorial e da memória viva. Conclui-se que a insurgência estética indígena confronta a colonialidade das instituições culturais e projeta futuridades que reconfiguram o próprio conceito de arte no presente.
Este artigo aborda o livro A Mansão dos Ratinhos: Sam e Júlia, da artista e autora holandesa Karina Schaapman, cujas ilustrações são realizadas através de fotografias de casas de bonecas e miniaturas construídas pela autora. Apresenta o livro em seus aspectos temáticos e estéticos, aproximando processos de criação artística e a infância, por meio das características lúdicas de produção da narrativa visual e das relações feitas pela autora entre suas memórias de infância e sua visão de uma construção de mundo para as crianças, que fundamenta a concepção da obra. As reflexões possuem como base teórica escritos de Walter Benjamin sobre relações entre infância, materialidade e brinquedos; de Lev Vigotski sobre imaginação e criação, e sobre livros de artista e livros infantis por Amir Brito Cadôr e Eliane Debus. A partir dos aspectos materiais de produção das imagens do livro, o artigo propõe que o contato com a obra em questão possa estimular práticas lúdicas e artísticas através da apropriação criativa de objetos cotidianos.
Este artigo apresenta os resultados de uma pesquisa que explora o enredo de escola de samba como uma potencial expressão estilística de narrativa. Para tal, introduz-se brevemente o que caracteriza as temáticas de carnaval e como elas instigam debates após o desfile. Para aprofundar a compreensão sobre a construção desses enredos, são compartilhados os resultados de quatro entrevistas realizadas com enredistas - profissionais responsáveis pela pesquisa e desenvolvimento da narrativa do tema carnavalesco.
